Alberto Rapisarda recensioni di fumetto e graphic novel

Diabolik - Colpo alla Mondadori

2010-08-27T06:31:00.000+01:00

Diabolik - Colpo alla Mondadori ** (ITA 2010, col, pag 24). Soggetto: Alfredo Castelli, Licia Ferraresi. Disegni: Giuseppe Palumbo. Il supercriminale Diabolik tenta di bloccare le consegna delle matrici digitali delle sue avventure a fumetti, commissionate dalla Mondadori. Ma l’Ispettore Ginko ha subodorato il sabotaggio, e tende a Diabolik un’imboscata.
Numero speciale allegato ai periodici Mondadori, celebra la ripresa delle ristampe allegate ai propri periodici delle migliori avventure del criminale in calzamaglia nera, e, nella tradizione di analoghi prodotti per Walt Disney, produce un giochino ilare sul fumetto che parla di fumetti.
Disegnato da Giuseppe Palumbo con maestria, è corredato da redazionali e iconografia destinate ad un pubblico giovane - piuttosto che ai tradizionali affezionati, spesso troppo esigenti per qualsiasi ri-produzione.

Ultimate Comics: Spider-Man 1 Edizione Variant

2010-06-17T06:07:00.003+01:00

Ultimate Comics: Spider-Man 1 Edizione Variant *½ (ITA [USA] 2010, col, pag. 48. Soggetto: Brian Michael Bendis. Disegni: David Lafuente. Il giovanotto Peter Parker lavora ad un McDonald newyorkese, scambia coccole con la bionda fidanzata Gwen – e nei ritagli di tempo è lo stupefacente supereroe Uomo Ragno. Mentre la polizia comincia ad apprezzarlo come vigilante, nuovi supercriminali intraprendono la carriera nella City.
Albo speciale – ha una copertina alternativa rispetto all’edizione standard – del numero uno della rediviva collana “Ultimate” dedicata a Spider-man. Qualche difficoltà nelle vendite costrinse la casa Marvel a ripensare le versioni per adolescenti dei propri personaggi storici - restano seri dubbi su quali altri giornaletti dell’editore siano destinati agli adulti. Il make-up applicato ai fumetti qui contenuti [da “Ultimate Comics: Spider-Man” n. 1 e n. 2 del 2009] è un melange tra la professionalità franco belga [impaginazione], lo stile involuto dei manga del Giappone [disegni], ed effetti speciali dalle storiche edizioni “Image”, editore ormai nell’oblio [colorazione]. Le vicende, come da titolo [“Il nuovo mondo secondo Peter Parker”] sono incentrate sulla quotidianità del protagonista quindicenne – condivisa, trattandosi di fumetti di fantascienza, con compagni di scuola dai geni mutanti ed improvvisi visitatori fiammeggianti al domicilio d’un ameno quartiere residenziale. L’approccio tra reality show e serial TV blandamente supereroistici [vedi “Heroes”] viene privato di qualsiasi ironia, ma è straordinariamente serio nella sofisticazione esecutiva, autorizzando qualche cedimento nei caratteri distintivi del genere fumetto – soprattutto la carica iconoclasta – quasi addestrando il lettore ad un’età adulta di teleschermi al plasma e DVD Blue-ray.

Le Grandi Storie di Topolino – Il Mistero dell’uomo nuvola

2010-06-13T06:43:00.006+01:00

Le Grandi Storie di Topolino – Il Mistero dell’uomo nuvola ***1/2 (ITA [USA] 2010, col, pag 160). Soggetto: Ted Osborne, Floyd Gottfredson. Disegni: Floyd Gottfredson, Ted Thwaites. Topolino acquista un aeroplano, e durante il viaggio di collaudo avvista una macchina volante. Sulle tracce del conducente, scopre un’isola sospesa nel cielo, nella quale il Dottor Enigma custodisce la formula delle sue tecnologie. Ma la scoperta fa gola anche al bieco Gambadilegno. Conclusa l’avventura dell’“uomo nuvola”, Topolino trova a casa il Capitano Rodimare, che racconta del gorilla Spettro, unico depositario della collocazione di un tesoro nell’Africa Nera. Topolino, che ha già familiarità con Spettro, accetta di partire. Accompagnato da Pippo e Minnie, ingaggia una spedizione nel territorio dei cannibali, che non sono l’unico problema dei Nostri: Pietro Gambadilegno, reduce dallo scacco della formula, segue Topolino come la sua ombra. E le avventure non sono ancora finite.
Prodotto dal “Corriere della Sera”, è il volume che inizia la ristampa integrale delle avventure statunitensi di Mickey Mouse - il nostro Topolino. Il materiale proviene dai quotidiani USA, che, per l’accordo tra Walt Disney ed il magnate della stampa Randolph Hearst, permisero ad un personaggio dei cartoni animati di divenire star dei fumetti. L’autore celebrato dalla collana è il lungimirante Floyd Gottfredson, disegnatore e soggettista sconosciuto ai più, che definì i caratteri del topo, sia graficamente - con le celebri “braghette” -, che inserendolo in un contesto Salgariano d’avventure esotiche e mozzafiato. Le storie, celebri presso i bimbi dell’epoca, hanno un fascino particolare per l’Italia, dove confortarono generazioni cresciute durante il ventennio. Già ordinate cronologicamente, dopo che Gottfredson abbandonò la striscia, queste avventure furono ripubblicate da Mondadori nel 1970 [“Il Topolino d’Oro”], quindi in vari volumi da libreria, per riapparire come edizione amatoriale negli anni ottanta. È da chiedersi che pubblico amerà nel 2010 un’eredità tramandata per nostalgia: la qualità di quest’edizione è eccellente, la modernità di Gottfredson – introdotto ai lettori del “Corriere” con la profetica storia del 1937 sulla bomba atomica (che titola il volume) – è indiscutibile, ce ne fosse bisogno. Lascia perplessi la foliazione – 160 pagine – che trascura l’alta concentrazione informazionale delle strisce quotidiane. Ed eccessiva, nella tradizione dell’editore, è la prolessi redazionale. Ad ogni conto la collana – offerta pure a domicilio, con sconto, nella tradizione delle dispense DeAgostini – si giova di investimenti che ne consento la conclusione, ma se la vanteria de “la prima edizione completa al mondo” dimentica di segnalare che quel Topolino rispondeva al faticoso percorso di elaborazione della crisi americana – Mickey nasce col crack della borsa di New York, e cresce durante l’encomiabile ottimismo Roosveltiano –, riproposto tra un mare magnum di supplementi a fumetti per quotidiani ha l’identica dignità di nicchia di una collezione di CD dell’orchestra di Duke Ellington.
L’albo inaugura proditoriamente con la sequenza completa delle avventure del 1937 – sette anni dopo la prima striscia – e presenta, in tre parti, un’avventura idealmente completa. Le tre storie – e due cicli di gag autoconclusive – sono introdotte da saggi storico-critici assai documentati.

Uomo Faber

2010-06-07T06:24:00.000+01:00

Uomo Faber *** (ITA 2010, col, pag 120). Soggetto: Fabrizio Calzia. Disegni: Ivo Milazzo. Nella sua azienda agricola in Sardegna, il cantautore Fabrizio De Andrè cerca un’intesa musicale con Andrea, cantante del gruppo folk sardo dei Tazenda. Sollecitato nelle profonde emozioni personali, Fabrizio decide di fuggire nel luoghi in cui era cresciuto, nella piemontese Revignano. Qui ritrova la propria infanzia, e, dopo una lunga chiacchierata con l’amata tata, s’addormenta nella camera divisa da piccolo col fratello, dove in sogno rivive frammenti di una vita - tra le prostitute di Genova, sulle barricate sessantottine, nel controverso rapimento per mano di “poveri cristi”, come sosteneva, fino all’amore per il mediterraneo condiviso con Mauro Pagani, amico e collaboratore delle ultime attività artistiche. La conclusione del viaggio nella memoria – che rendiconta ai figli ed all’amata Dori – avviene sul palco della tournée riassuntiva di una carriera - ed infine, nel commosso incontro estremo con le proprie origini di sangue.
Il disegnatore Ivo Milazzo, raffinato autore di western d'autore [Ken Parker, Tex], collaborando con lo scrittore Fabrizio Calzia, realizza un prodotto prevedibile a tavolino – in epoca di biopic e istant comics. Ma, umilmente Calzia si scusa nella postfazione per il sovraffollamento nella sterminata bibliografia sollecitata dalla scomparsa del poeta-cantautore genovese - che, quasi per caso, concepiva piuttosto la propria discografia come sommesso impegno letterario: ogni long-playing frutto di lunghe ricerche, riflessioni e studio - dei Vangeli, delle tradizioni folkloristiche del meridione, delle intuizioni di Edgard Lee-Master. Ancora Calzia, altrettanto comosso, cita un’incontro con De Andrè, quasi fosse memorabile per il cantante, e la scrittura dellla graphic novel – inizialmente – è lavoro di un fan con buona articolazione di pensiero a valore aggiunto. Giunti in mare aperto del proprio sodalizio artistico – oltre la metà del romanzo a fumetti – Milazzo e Calzia complicano la propria intesa artistica con raffinate citazioni di Hugo Pratt - che in “Corto Maltese” [vedi “La laguna dei bei sogni”, 1971] aveva arrogato al fumetto il primato dell’evocazione onirica, irrisolta persino nei magistrali tentativi di James Joyce. Da quel punto, fino alla conclusione, il romanzo “Uomo Faber” procede per associazioni di aneddoti storici [i ricordi di guerra del cantante] in un calderone culturale [le letture del giovane Fabrizio] che sono resoconto del privato, meno conosciuto di quanto si creda, ricostruito attraverso interviste ad amici e parenti.
Entro un'accettabilissima sperimentazione narrativa, i due autori consegnano un'opera al limite dell'incomprensibile, che rinuncia al divulgativo - e persino alla condivisione emotiva. L’impressione – introduce il giornalista Mollica, ringrazia la compagna del cantante dei Tazenda, Parodi – è che il fumetto sia, esso stesso, una nuova ed inedita esperienza su "Faber", quasi terapia di gruppo, che commuove il lettore coinvolto da una fiducia nei mezzi poetici del media - strenua quanto visionaria.

La Bambina Filosofica

2010-01-15T22:30:00.002Z

Bambina Filosofica, La ** (ITA 2010, b/n, pag. 116) Soggetto: Vanna Vinci. Disegni: Vanna Vinci. Fattasi lungamente desiderare, una deliziosa bimba decide di nascere e dispensare al mondo le proprie inadeguatezze. La mamma - già arresasi a ogni dovere pedagogico - accompagna via via la figlia “filosofica” nelle varie figuracce sociali.
Lunga gestazione - anche - per un bel libro tutto italiano. Vanna Vinci, artista giovane – ma ormai quarantacinquenne – del comics d’autore, migra da uno stile carino e lezioso [su “Mondo Naif”] ad uno disegno più aggressivo, in linea col fumetto indipendente USA. Il soggetto, vagamente autobiografico, frequenta la grande lezione della Nidasio [“Valentina Mela Verde”] senza cogliere nel segno dell’analisi sociale e delle nevrosi generazionali del modello di riferimento. Assistita dall’editor Daniele Brolli e da altri redattori di una piccola casa editrice che l’ha allevata, l’autrice palesa il bisogno di un soggettista migliore di sé stessa, - oppure di praticare riferimenti culturali più originali. Tra l’encomio per l’editore, che scommette su un fumetto di nicchia, e l’ardua classificazione di una striscia in difetto della tradizionale destinazione su quotidiano, l’opera si riduce ad una catarsi dell’autrice, nel corso della propria battaglia per la comprensione del mondo in balia all’entropia – ma senza la pudicizia di un allenamento sentimentale privato.

Classici DC: House of Mistery n. 1

2009-06-12T05:03:00.003+01:00

Classici DC: House of Mistery n. 1 *** (ITA [USA] 2009, b/n, pag. 108). Soggetto: Marv Wolfman, Robert Kanigher, Len Wein, Joe Orlando, Bernie Wrightson, E. Nelson Bridwell, Dennis O‘Neil, Paul Levitz. Disegni Bernie Wrightson. Collana antologica tratta da un classico titolo anni ’60 della DC Comics, “House of Mistery”, presenta brevi racconti nella tradizione della parabola morale à la EC Comics, ma l’evoluzione della vicenda sconfina spesso nell‘azzardo: rinunciando al puritanesimo del rapporto tra delitto e punizione, l’orrore delle storie è piuttosto origine della psiche di persone che fuggono - dal propri delitti, da una vita convenzionale, dall’incapacità di adattamento al mondo circostante. Il finale ad effetto è spesso assurdo come lo svolgimento, e - senza eccessivi approcci filosofici - apre la strada alla ricerca giovanile [gli hippies, il flower power] delle porte ad un mondo invisibile, che qui – come poi accadde - è spesso il frutto di percezioni alterate.
Elegantemente presentato al pubblico italiano con copertina cartonata, il volume scorpora dalla miniserie USA tutti i contributi per la rivista del “maestro” dell’orrore Bernie Wrightson, disegnatore che si affianca di volta in volta a scrittori nella tradizione - come E. Nelson Bridwell, storica penna DC di ampie, e meditate, vedute commerciali. La poco dimestichezza del pubblico odierno per un gironalino noto solo dagli iniziati, rischia confusione, come nei primi anni settanta, quando la Williams tradusse alcune di queste storie per una rivista antologica sentimentalmente proposta a 32 pagine, come negli USA - ma fallendo entrambi nell’inquadrare un flusso - meglio ancora, una frazione di flusso - delle somministrazioni periodiche di comics alla gioventù, caratterizzate da prezzo, copertine sagaci [qui riprodotte in b/n], e dalla pratica del lettore di selezionare sparuti fumetti tra oceani di pubblicità. L’operazione “autorale” resta interessante, e tuttavia vaga.
I materiali originali risalgono a 1969-1974, le ristampe USA – già esumate in miniserie durante gli anni ottanta – al 2006-2008, mentre questo primo titolo italiano, anno domini 2009, potrebbe preludere a successivi volumotti secondo il consueto buonismo della licenziataria ispano-italiana.

I Mitici Disney - Topolino

2009-05-15T22:30:00.002+01:00

I Mitici Disney - Topolino *** (ITA 2009, col, pag. 192) Soggetto: Romano Scarpa, Francesco Artibani, Tito Faraci, Casty [Andrea Castellan]. Disegni: Romano Scarpa, Corrado Mastantuono, Massimo De Vita, Marco Gervasio. Libro antologico del Topolino di Walt Disney, contiene quattro racconti completi. Nel primo “Topolino e l’unghia di Kalì”, un eccentrico milionario viene derubato d’un piccolo pezzo di una statua indiana, mentre in città si susseguono strane scorribande notturne ad opera di esseri apparentemente sovrannaturali. In “Topolino e il fiume del tempo”, il malandrino Gambadilegno conquista le grazie di Topolino, per farne il proprio socio nell’operazione di recupero del battello in cui vissero la loro prima avventura. “Topolino e le regolissime di Guazzabù” è un racconto giallo con colpo di scena: gli abitanti di Topolinia sembrano conquistati dalla febbre per un gioco di ruolo di grande moda d’ambientazione fantasy, ma sanno distinguere il sogno dalla realtà? Conclude il volume “Topolino e il lungo ritorno”, in cui un casuale scambio di valigette coinvolge il nostro eroe in un intrigo di spie industriali.

Buon volume che mostra come nel 2009 sia ancora possibile godere di Topolino personaggio di primo piano. Il volume lo ripropone immerso nell’avventura a tutto tondo, privilegiando le ambientazioni urbane. È il classico investigatore con le braghette corte, Topolino giornalista degli anni ‘30 aggiornato ai nostri tempi. Un classico di Romano Scarpa del 1958 apre il volume con la stessa prepotenza d’una sinfonia di Beethoven ad un festival di musica classica. Buono, anzi ottimo, il maestro Massimo De Vita alle prese con Guazzabù, che sfoggia un segno modernissimo, pur artista di tradizione ed esperienza. Un po’ psichedelici gli altri disegnatori, ma ai seguaci di Giorgio Cavazzano [che rivoluzionò il segno disneyano ispirandosi a “Mad” anni ‘60] si perdona tutto. Tutti comunque al servizio dell’eroe, ulteriore conferma che il Topo vive oltre il tempo soprattutto in virtù delle buone sceneggiature: è un vecchio zio di cui non si notano le rughe, mentre incantati al pranzo di famiglia ascoltiamo i racconti della sua lunga vita.
Allegato al “Corriere della Sera” del febbraio 2009, con moneta da collezione, inaugura la serie “I mitici Disney” dedicata ai personaggi dell’affabulatore di Burbank. Prezzo promozionale di 1 euro per 200 pagine.

Fantastic Four – The Lost Adventure

2008-04-15T22:30:00.005+01:00

Fantastic Four – The Lost Adventure **½ (USA 2008, col e b/n, pag. 64) Soggetto: Stan Lee [Stanley Lieber]. Disegni: Jack Kirby [Jacob Kurtzberg], Ron Frenz [Ronald Wade Frenz], Joe Sinnot. In una banca di NYC un uomo assai disinvolto cerca di compiere una rapina con orpelli tecnologici. Ad impedire il crimine la Cosa e la Torcia Umana, ma il primo round va al sedicente Janus il Mega-man. Mobilitati i restanti membri del supergruppo dei Fantastici Quattro, il brillante Mr. Fantastic cerca di svelare la minaccia, memore d’una vecchia conoscenza dalla somiglianza impressionante, ma la resa dei conti ci presenta due Mega-man distinti, legati da un’ambigua relazione famigliare.

Il mogol Stan Lee riscrive una storia del 1969 ideata e disegnata da Jack Kirby. Nella versione 2008 il creatore dell’universo Marvel, in ottima forma, esibisce cultura tecnologica, e le battaglie avvengono tramite le linee Internet. Integrata dal disegnatore meno talentuoso Ron Frenz, la magia di Kirby è intatta, ed il gusto pop si inserisce perfettamente nelle tendenze fumettistiche dei giorni nostri. L’albo, fuori serie, fu pubblicizzato come una “canzone ritrovata dei Beatles”, ma all’epoca Lee rifiutò la storia di Kirby dal finale tragico, e quest’ultimo, ormai alle strette, abbandonò la Marvel dopo un ulteriore albo della stessa collana

Il libro contiene tre fumetti completi: la storia ricostruita “La minaccia dei Mega-men”; le matite originali di Kirby per Fantastic Four 102 [mai uscito e qui titolato “Fantastic Four #108: Kirby’s Way”]; ed infine la ristampa dello stesso numero 108 [“Il mostruoso mistero del Nega-man”] che già utilizzava parte di quei disegni di Kirby. Con un articolo critico di John Morrow, ed i commenti di Stan Lee direttamente sulle antiche tavole in b/n, il volume è – ancorché di nicchia – eccellente. Joe Sinnot, inchiostratore dell’epoca, richiamato dal semi-ritiro, è eletto a portavoce della Marvel per questo “evento”, e completa il fumetto con immutata maestria.

The Complete Dick Tracy vol. 1

2007-10-15T13:04:00.003+01:00

La casa statunitense Idea & Design Works (IGW) ha da poco dato alle stampe il primo numero della serie cronologica e completa, nonché sufficentemente filologica, del celebre personaggio di Chester Gould. Seguendo il filone inaugurato dalla Fantagraphics con gli esistenziali Peanuts, e col surrealismo di Krazy Kat (è in corso di pubblicazione anche il primissimo Popeye), questa riproposta di Dick Tracy ha ricevuto negli USA reazioni variegate.
Alcuni, come istantaneo approccio, trovano inutile che il pluripremiato cover designer Ashley Wood si rifaccia con tanta disinvoltura alla grafica della serie Peanuts, opera del geniale Seth.
Per i più pignoli, la stessa scelta dell'immagine di copertina - un Dick Tracy solare e rassicurante, che nei fumetti è tosto e quasi caratterista - si spiegherebbe col fatto che la IGW è condotta più dagli affaristi ai piani alti, che non dai redattori amanti di Gould e del fumetto in generale - ultimi ad avere voce in capitolo nella cura dell'opera.
Inoltre le prime striscie sono ancora lontane dai vertici artistici del cartoonist dell'Oklahoma, quindi si chiede pazienza al lettore, che tuttavia in libreria crede d'acquistare già un volume lussuoso e "definitivo".
Per tutta una schiera di nostalgici, la serie è stata accolta invece con grande entusiasmo: Chester Gould ai suoi esordi metteva tantissima carne al fuoco, e tutto il volume è straordinariamente avvincente.
In più, nonostante il monito di Frank Miller ("quando la smetteremo di considerare un oscuro fumetto del 1934 come un classico della cultura del '900?"), i completisti sono rassicurati sia dalla cura nella stampa, sia dal progetto editoriale, che promette di riproporre tutto ciò che Chester Gould toccò con matita. Costoro stanno già chiedendo in coro Bringing Up Father (in Italia Arcibaldo e Petronilla) ed altra archeologia.
Personalente - convinto di dare voce a molti amici italiani che m'espressero il loro amore per il Dick Tracy d'annata -, credo che un volumone storico come quello della Milano Libri (“Dick Tracy”) sia più che sufficiente per il potere/volere d'acquisto dei nostri fans. Ma accetto volentieri smentita.

Joe Sinnott & Fantastic Four # 102

2007-06-11T12:50:00.003+01:00

Il veterano Joe Sinnott, storico inchiostratore di tutte le più belle avventure dei Fantastici Quattro, ha fatto da PR per la Marvel, commentando il progetto di riesumare le tavole a matita di Jack "The King" Kirby per Fantastic Four 102, il numero durante il quale i disaccordi tra Stan e Jack portarono all'improvviso abbandono della Casa delle Idee da parte del disegnatore - con immediata entrata trionfale alla DC. Le tavole perdute, 10 in tutto, secondo Sinnott sono una serie di schizzi più che un fumetto vero e proprio, ma Ron Frenz, disegnatore fedele agli stilemi "silver age", le completerà - realizzando ex-novo anche le pagine mancanti. Joe Sinnot, che oggi ha 81 anni, inchiostrerà come nulla fosse accaduto - ritrovandosi umilmente emozionato davanti a "tutti gli errori" che Kirby costringeva a correggere -, assicurando che anche questa volta sarà un lavoro egregio. Il fumetto vedrà la luce entro il 2007 in formato one-shot, già molto pubblicizzato come "The Lost FF Jack Kirby Issue".

Alan Ford 500

2007-02-15T22:30:00.002Z

Alan Ford 500 ** (ITA 2007, b/n, pag. 256) Soggetto: Max Bunker [Luciano Secchi]. Disegni: Dario Perucca. Alan Ford, l’ex scalcinato agente segreto del gruppo T.N.T. - ormai titolare, in coppia con la fascinosa streghetta francese Minuette, di un’elegante agenzia investigativa -, ha deciso di convolare a giuste nozze con la pericolosa partner della vita e nel lavoro. Dopo molte vicissitudini dai toni gialli, assai ilari, i due colombi celebrano il matrimonio, per poi partire - non totalmente consenzienti -, per una luna di miele alla volta di Marte.

Max Bunker ha deciso di scrivere il numero 500 della celebre serie “Alan Ford” [è in edicola contemporaneamente il numero 461 delle serie regolare], con anni d’anticipo. Nella tradizione dell’editoria a fumetti, gli albi con due zeri sono sempre un evento, ed infatti questo traguardo esce come numero autonomo: formato standard, ma “one-shot” dalla doppia foliazione, con grancassa auto celebrativa.

Resta un mistero il motivo per cui l’attuale duo artistico del biondo Alan [Bunker & Perucca] si dedichi en passant ad una storia di futuro imperfetto che, esclusi totalmente i forti sentimenti a cui ci hanno abituato i fumetti USA in iniziative analoghe [Dark Knight, Punisher: The End], si produce invece in abbondante ottimismo. Forse è buon auspicio per la durata della serie, che recentemente ha ricevuto un’impennata di vendite, e gode dei consensi dei lettori.
I misteri si trovano anche nella “continuity” del fumetto [il Numero Uno è vivo o morto? dove abita il Conte? e gli altri componenti T.N.T.?]. Così, per aggiungere simpatica confusione, Max Bunker lancia una passerella di comprimari, alcuni splendidamente disegnati da Perucca [quando ricorda il Magnus “numero 200” e de La Compagnia della Forca], altri originalmente fascinosi, altri ancora inutili e pasticciati - tutti comunque partecipi della felicità della coppia, oppure [come loro conviene] accaniti oppositori con regolari tiri birichini.
Ma il lettore – vecchio o nuovo che sia – non sente alcun bisogno di questo vago risultato artistico, standardizzato al punto che finirà con occupare il suo posto nella serie mensile, tra quattro anni. Forse il grande Max poteva realizzare questa storia “per uso interno”, come linea guida dei numeri a venire. Nel mentre ignoriamo che è un numero 500, godiamo la fresca inventiva del creatore del Gruppo T.N.T., e dimentichiamo che da troppo tempo - anche negli speciali -, manca una matita altrettanto degna.
Il numero doppio è integrato da una “repackaging” delle vecchie apparizioni di Minuette Macon, e dall’elenco dei titoli della serie, dove curiosamente scopriamo che la casa editrice pubblica gli albetti con un ritardo di dieci mesi dalla realizzazione [o lo fa credere].

2005-11-15T10:30:00.000Z

Commissario Spada – Milano criminale, Il ***½ (ITA 2005, b/n, pag. 288) Soggetto: Gianluigi Gonano. Disegni: Gianni De Luca. Antologia d’avventure del Commissario Spada, originariamente pubblicate a puntate su “Il Giornalino”, tra il 1972 e il 1979. Ottima selezione: il lungo racconto “Geronimo” mostra ancora le profonde influenze degli anni ‘60; più matura e meritevolmente sintetica “I Figli del Serpente”; mentre conclude il volume la fondamentale “Trilogia del terrorismo”, che raccoglie tutte le inquietudini di un paese lacerato.
Documentatissimo, ed abile nel concertare colpi di scena, in tutti i tre racconti, il giovane Gonano. Ma è il gigante De Luca – spaziando con disinvoltura tra le raffinatezze di Bernie Krigstein e molta E. C. Comics, la pop art di Tiffany Jones, il colto Nicolas Devil, il migliore Enric Siò – che aggiorna e costituisce un suo stile personalissimo e mai eguagliato – che lo porterà a risultati di sperimentalismi e pathos, di lì a poco, nel confronto con Shakespeare.
Questa ristampa per Repubblica è assai buona, e riconosce i giusti meriti al Commissario Spada, un personaggio “d’autore” nato all’interno del fumetto popolare, e che, nonostante alcune incertezze nelle trame che solleticano la noia, ha permesso a Gianni De Luca di esprimere – è lui la vera star del volume – tutte le potenzialità che lo collocheranno nel ristretto Olimpo del fumetto. Comunque un volume impedibile, per tutti i palati.
Quasi in contemporanea, un diverso editore ha dato alle stampe l’opera completa del Commissario Spada, in quattro libri.

Absolute Watchmen

2005-10-15T22:30:00.001+01:00

Absolute Watchmen ***½ (USA 2005, col, pag. 464) Soggetto: Alan Moore. Disegni: Dave Gibbons. Anni ottanta. In una realtà parallela in cui Nixon è ancora presidente degli Stati Uniti [i giornalisti che denunciano lo scandalo Watergate, Woodward e Bernstein, vengono trovati morti "in un garage"], il mondo è popolato da giustizieri incappucciati. Epocalmente si dividono nel gruppo dei "Minutemen", costituiti durante il secondo conflitto mondiale, ed i "Crimebusters", fine anni sessanta. Alcuni dei vecchi supereroi, allora giovanissimi, collaborano col nuovo gruppo. Altri, tra i nuovi Crimbusters, sono eredi in spirito, ed addirittura di sangue, degli eroi anni quaranta. Ma la nuova squadra possiede tecnologie ed abilità più avanzate dei predecessori, ed in particolare Dr. Manhattan [dal nome del progetto della prima bomba atomica] ha poteri quasi illimitati. La vicenda inizia quando Comedian, cinico e violento personaggio della vecchia e della nuova squadra, è gettato dalla finestra di un grattacielo. Anche Dr. Manhattan e l'ambiguo Rorsach sembrano vittime di una cospirazione contro i giustizieri in costume [tutti già fuorilegge per mezzo d’un atto governativo di qualche anno prima]. Queste azioni ostili contro i superuomini sortiscono però l'effetto opposto: il timido Nite Owl e la complessata Silk Spectre tornano in azione, per riunire i vecchi colleghi, e scongiurare il pericolo di un imminente conflitto nucleare.
Fumetto che ha riscosso un successo probabilmente ancora insuperato. La qualità del soggetto e dei disegni è infatti indiscutibile, e scuote anche il lettore distratto. In realtà l'operazione che lo sceneggiatore inglese applica al genere supereroistico, pregna di polemiche, non si discosta molto dalla prassi gradita agli appassionati del genere. Alcune lunghe sequenze, in flash-back, sono dedicate alle origini dei superuomini, nella migliore tradizione di Hulk ed il Punitore. Mentre per quasi tutte le 400 pagine necessarie a svolgere la vicenda, anziché prendersi a pugni, ragnatele e palle di fuoco, come i vecchi personaggi dell'era di Stan Lee, i protagonisti di Watchmen litigano tra loro, mettendo in campo crudeltà verbali secondo registri affini alla cinematografia tutta dialogata di Altman o Nichols. Purtroppo, quando passano ai fatti, i Watchmen sono omicidi, stupratori, monomaniaci e manipolatori – secondo una spontaneità nell’agire che li compenetra. Uscita nel 1986 in dodici albi - ogni numero con alcuni elementi autoconclusivi ed altri ricorrenti -, la miniserie ha ricevuto il bene placet della DC Comics [quella di Superman e Flash], che aveva già acquistato da Moore il progetto dolente e pessimista di "V for Vendetta". La pubblicazione avviene a pochi mesi dalla cosiddetta rinascita americana [tra gli esponenti, l'omologo Frank Miller - tra i due c’è all'epoca un rapporto di cordiale indifferenza -, Kevin Maguire, Bill Sienkiewicz, ed altri]. Con la legittimazione da parte della più prestigiosa casa di fumetti di supereroi, resta da stabilire quanto Moore provasse simpatia per i propri personaggi, durante il suo sforzo di distruggere con la penna un tale mito economico e culturale. Invero nella graphic novel il soggettista inglese propugna un messaggio unico, il pacifismo anni settanta. La sua equazione è che giustiziere solitario equivale a prevaricazione ed abuso. Ma l'oceanica risposta di sincero affetto da parte dei fan, che parteggiano per gli eroi giusti - ammesso che vi siano -, e le pressanti richieste di un sequel - alle quali Moore ha sempre risposto negativamente -, allarmano su quanto, nell'industria dei comics, sia facile entrare nell'ingranaggio, ed i pupazzetti dei protagonisti, sarcasticamente pubblicizzati nel racconto, vengono prodotti dalla DC quasi immediatamente.
La graphic novel è raccolta in volume, esportata immediatamente in Inghilterra, poi in quasi tutto il mondo, diventando oggetto di culto, tra passaparola e critica conforme. In Italia è uscita - fatta a pezzetti - in una rivista contenitore, e finalmente nella sua interezza in tre diversi volumi, fino all'edizione economica del 2005 che ne ha rinnovato la popolarità, ma dalla quale scompare l'incipit di Giovenale "Quis custodiet ipsos custodes?" [chi controlla i controllori?], che è il fulcro per l'approccio all'opera.

Arte di Will Eisner, L’

2005-10-15T22:30:00.000+01:00

Arte di Will Eisner, L’ ***½ (ITA [USA] 2005, b/n, pag. 272) Soggetto: Will Eisner. Disegni: Will Eisner. Bell’antologia per “I Classici del Fumetto di Repubblica”, presenta una selezione dell’opera di Will Eisner, autore statunitense che negli anni quaranta ideò il celebre “The Spirit”, e negli ultimi tempi si è dedicato al romanzo grafico di ispirazione letteraria. Quest’ultimo periodo è qui presentato con la ristampa dell’intero volume “Contratto con Dio” [1978], che alla sua prima uscita affermò la nozione stessa di romanzo a fumetti. Altri brevi racconti [“Tramonto a Sunshine City”, “Detective Story”, “Un contratto da onorare”, “Vincere”, e “L’appello”] sono più rappresentativi della poliedricità di Eisner, che nel tratto onora la lunga esperienza nel poliziesco dei primi anni di attività, ma sorprende come puro narratore delle bizzarrie umane – che osserva anche dal punto di vista autobiografico. La forza del disegno – un sapiente pathos commisto a teatralità e gusto scenografico [il palco è il primo amore di Eisner] – è il carattere con cui il disegnatore si fa amare dal pubblico, e quest’edizione aggiunge il pregio di appaiare un intero graphic novel – e tutte le sue sfumature artistiche – con alcune brevi storie, poco ristampate, altrettanto rivelatrici. La confezione – una acquarello in copertina, molti altri disegni a colori fuori testo – è completata da una buona introduzione informativa. Appaiato ad un’antologia di The Spirit, è prefetto punto di partenza per penetrare Eisner e la sua complessa visione estetica dell’Uomo.

Batman Begins: The Official Movie Adaptation

2005-06-07T06:26:00.001+01:00

Batman Begins: The Official Movie Adaptation *½ (USA 2005, col, pag. 64) Soggetto: Scott Beatty. Disegni: Kilian Plunkett, Serge LaPointe. L’infanzia di Batman/Bruce Wayne, raccontata attraverso flash-back, mentre l’ormai giovane uomo si addestra con Ra’s Al Ghul, per perseguire il proposito di dare la caccia per tutta la vita ai criminali – come quello che uccise i suoi genitori.
Un altro istant-comic, adattamento del film omonimo, che mescola la via dello Jedi da “Star Wars”, e gli addestramenti nelle arti marziali della Elektra Marvel [quest’ultima, curiosamente, nelle sale cinematografiche a pochi mesi di distanza]. Ma la trama sconclusionata non merita un lungometraggio, men che meno un’intera graphic novel, in cui la presunta affinità col Miller di “Batman: Year One” si risolve in poche sequenze, dove si cita Jung a casaccio – letteralmente –, e nella quale le modalità nell’affrancamento dalle paure del giovane Bruce fanno rimpiangere poche righe di Jim Starlin da “The Cult”, che evocavano in modi più raffinati i conflitti e le scelte del protagonista. La realizzazione grafica è senza lode, e persino gli effetti al computer – da dimenticare – sono sacrificati all’urgenza di uscire in edicola in tutto il mondo come ricordino del film.

Topolino Story 1949

2005-05-31T16:04:00.000+01:00

Topolino Story 1949 ** 1/2 (ITA 2005, col e b/n, pag. 192) Soggetto: Guido Martina, Carl Barks, Chase Graig, Bill Walsh. Disegni: Angelo Bioletto, Carl Barks, Harvey Eisemberg, Paul Murry, Floyd Gottfredson. Primo album di una serie antologica che si propone di raccogliere in ogni volume le migliori storie pubblicate, nel dato anno, su Topolino libretto, forse il più celebre [e venduto] giornaletto italiano – l’uscita del primo numero è appunto dell’aprile del 1949, e la serie, a tutt’oggi, gode di ottima salute.
L’operazione ricalca chiaramente il successo de “I Classici del Fumetto di Repubblica”, dai quali mutua lo stesso prezzo di copertina, le modalità di distribuzione [come allegato ad un quotidiano, questa volta l’altrettanto prestigioso “Corriere della Sera”], e la periodicità settimanale.
Un po’ più piccolo il formato, rispetto alla nuova Serie Oro di Repubblica: le dimensioni sono quelle di un Tex leggermente più largo - il che comunque garantisce un’area stampabile di tutto rispetto, se paragonata al “tascabile” Mondadori.
L’idea è luminosa: “Topolino” ha pubblicato in oltre 50 anni una nutrita selezione dei migliori disegnatori e soggettisti di fumetti in assoluto – tra autori statunitensi, molti italiani, e qualche puntata in Sud America, Olanda e paesi scandinavi -, ed infatti in questo primissimo numero troviamo due storie di Carl Barks, un Floyd Gottfredson alle prese con Eta Beta, la celeberrima lunga avventura “L’Inferno di Topolino”, ed altro – tra cui una deliziosa favola a fumetti, “Il piccolo rimorchiatore”, con le matite morbide ed evocative di Harvey Eisemberg.
Per reggere la competizione con la potente Panini Comics – che cura I Classici di Repubblica – il “Corriere” si affida alla direzione di Gianni Bono, ed aggiunge quasi 50 pagine di contributi redazionali, ove spiccano le prestigiose firme di Luca Boschi e Gianni Brunoro. La convivenza tra fumetti ed articoli punta tutto sull’operazione nostalgia, praticata attraverso le fedeli riproduzioni fotografiche - metà in bianco e nero, metà a colori -, delle pagine di Topolino dei primi anni [questo per i fumetti veri e propri]; mentre gli apparati critici sono un dilagante “come eravamo”, fitto di riproduzioni di locandine cinematografiche, di pubblicità d’epoca, di giochini d’enigmistica, di figurine, foto, tutte riconducibili all’anno di grazia 1949.
Peccato che si sia rinunciato alla ricerca di pellicole od originali delle storie a fumetti, soprattutto per Barks [qui non ancora “rimontato”, ma successe dopo poco]. Le pagine del “Topolino”, ripulite digitalmente e ricampionate, denunciano seghettature inaccettabili per il 2005 [problema che non traspare nelle poche vignette, spesso in lingua originale, proposte negli articoli – questa volta complete dei bei mezzi toni tra aree bianche ed aree nere].
Mentre imbarazzano le decine di pagine di articoli, che sembrano venire da qualche strenna natalizia della Cassa di Risparmio locale. Secondo questo pernicioso accostamento, anche la grafica – disseminata di riquadri, didascalie per ogni piccola cosa, riproduzioni illeggibili o semplicemente inutili di articolini mondadoriani – è caotica [alcune buone ed isolate idee si sono però già viste nei volumi per gli abbonati a Topolino usciti negli anni ‘70].
Molto d’effetto resta la copertina: un gusto, che verrà mantenuto nei numeri successivi, tra Andy Warhol ed il Seth della recente “Peanuts Collection”.

Star Wars - Episodio III - Il film a fumetti

2005-05-10T21:34:00.002+01:00

vedi -> Star Wars, Episode III - Revenge of the Sith

Star Wars, Episode III - Revenge of the Sith

2005-05-09T17:05:00.000+01:00

Star Wars, Episode III - Revenge of the Sith * 1/2 (USA 2005, col, pag. 96) Soggetto: George Lucas, Miles Lane. Disegni: Doug Wheatley, Chris Chuckry. Adattamento a fumetti del terzo film “prequel” del celeberrimo “Star Wars” [1977], uscito nelle sale nel 2005, in contemporanea con quest’agile libricino che, seguendo pedissequamente il kolossal, permette al regista George Lucas, autore di tutta la saga, di spiegare come il padre di Luke Skywalker si convertì al lato oscuro della forza, di come la Repubblica venne soggiogata dalle forze dell’Imperatore – il vero cattivo/burattinaio dell’epopea -, e quali furono le sorti del piccolo Luke e della sorella Leila - in particolare come si salvarono, e perché li ritroviamo nel classicissimo film del 1977.
Tutte risposte che ci potevamo dare da soli, con pochissime varianti, senza che Lucas producesse questa luccicante vetrina di dialoghi interminabili, prolissità e noia sconfinata.
Qui i disegni sono curiosi, e si nota subito che grossi investimenti sono affrontati anche per l’adattamento a fumetti: i colori vengono applicati, con pastelli o tecniche che replicano questo approccio, direttamente sulle matite, altre volte su minimi tratti a china – sortendo un effetto da poster cinematografico dei tempi che furono, o comunque d’ambizioni pittoriche. Ma sin dalle prime pagine – un epica battaglia tra navi spaziali – ci rendiamo conto che le semplificazioni apportate dai disegnatori sono lontanissime dall’Epic Illustrated a cui strizzano l’occhio, o in generale dalla tradizione dello spettacolare fumetto SF d’autore [Heavy Metal, Moebius, Mike W. Kaluta], - sicuramente dall’eleganza del Bill Sienkiewitz che adattò “Dune” in rigoroso bianco e nero.
Bella l’edizione italiana, adattata da Giorgio Lavagna, corredata di note redazionali, informazioni storico-bibliografiche, alle quali s’aggiunge una piacevole galleria d’illustrazioni realizzate da Dave Dorman.

Michel Vaillant – Il campione del mondo

2005-04-20T22:30:00.000+01:00

Michel Vaillant – Il campione del mondo *** 1/2 (ITA [FR] 2005, col, pag. 256) Soggetto: Jean Graton, Philippe Graton. Disegni: Jean Graton, Studio Graton. Ammirevole antologia per “I Classici del Fumetto di Repubblica - Serie Oro”, che raccoglie cinque album completi del personaggio di Jean Graton, quel Michel Vaillant, pilota di Formula 1, il cui mito ha doppiato la pagina di carta, quasi fosse un autentico campione dei circuiti mondiali.

Ed infatti è in questi contesti, conditi da risvolti gialli, da mirabolanti avventure di contorno, da storie d’amore e d’amicizia, che si svolgono le vicende della competitiva casa automobilistica francese “Vaillante”: sulle piste internazionali.

L’accuratezza delle ricostruzioni delle gare è giustamente celebre tra gli appassionati di comics [e non], come lo è la prassi di far gareggiare Michel con la crema della F1 autentica – ad un punto compare Michele Alboreto quale “segreto” sfidante dei bolidi della Vaillante.
Le prime due avventure, del 1968 e 1969, aggiungono agli alti standard consolidati da Graton sin dal ’57, un gusto per la narrazione grafica di palazzi, di sconfinati paesaggi [siamo in piena epoca “road movie”], che suggestionano per la cura dei dettagli [affascinante una Vendover, USA, notturna], ben lontani però dai fitti riferimenti fotografici di Taniguchi, o dai barocchismi architettonici di Schuiten.
Persino le automobili – è detto tutto – sembrano disegnate più a memoria, che non da modellini o progetti, e lo stesso struggente impressionismo lo si ritrova nella bella colorazione acquerellata, che, per gli standard anni ’60, dovette essere una scommessa.
Nelle storie più recenti (1986, 1988, 2003) i colori tornano alle tinte piatte della separazione tipografica, effetto comunque voluto come corollario d’un approccio più realistico di bolidi e piste, e certi eccessi – si vedano le ricostruzioni delle città che ospitano le avventure – ci avvertono che Graton non è insensibile alla lezione dei fumetti “industriali” del Sol Levante [Otomo], approccio confermato dall’accredito - finalmente - dei disegni [nell’avventura del 2003] allo “Studio Graton”.
L’antologia comunque rimane una grande lezione di come si dovrebbero fare i fumetti.
Notare gli onnipresenti marchi di una casa di pneumatici, di sigarette, di vari altri “brand”, evidentemente riprodotti non solo per rigore filologico.

Wolverine – Le origini

2005-01-21T14:37:00.001Z

Wolverine – Le origini ***½ (ITA [USA] 2005, col, pag. 256) Soggetto: Chris Claremont, Paul Jenkins, Bill Jemas, Joe Quesada [Joseph Quesada]. Disegni: Frank Miller, Josef Rubinstein, Andy Kubert [Andrew Kubert]. Bel volume antologico che raccoglie due paperback: “Wolverine” [1982] disegnato da Frank Miller, e “Origins” [2001] con l’arte di Andy Kubert. Si tratta di due romanzi grafici dov’è protagonista il mutante più popolare dell’universo Marvel: Wolverine [il ghiottone]. Nato col potere di sanare velocemente le ferite, Logan/Wolverine vanta un passato assai articolato, narrato per la prima volta nella seconda avventura del volume, ed in parte sulla miniserie “Weapon X” di Barry Windsor-Smith – assai contestata dallo scrittore Claremont, quindi relegata dalla Marvel nel “parco” delle opere d’autore, per amor di concordia. Chris Claremont – sceneggiatore della prima graphic novel del volume – ha retto le sorti dei mutanti dal primo numero del nuovo corso anni ‘70, e da sempre ama centellinare le rivelazioni sulle origini del personaggio, offrendo qui più suggestioni che fatti. La Marvel Italia, che cura questo volume a prezzo popolare per “I classici del Fumetto di Repubblica”, si contenta dell’ottima riproduzione di stampa [vedi “Wolverine”], e della qualità artistica di entrambe le opere – soprattutto quella di Miller, che architetta un intrigante ibrido tra comic-book statunitensi e saghe guerriere nipponiche.
Il corredo redazionale/iconografico è di ottima qualità. Presenti tutte le copertine degli albi da cui sono tratti i paperback, meritevolmente riprodotte dagli art-work originali [senza titoli sovrapposti]. Altre copertine storiche di Wolverine sono pure ristampate, tra cui due da “Weapon X”.

Persepolis - Storia di un’infanzia

2005-01-18T22:20:00.000Z

Persepolis - Storia di un’infanzia * 1/2 (Ita [Fr] 2005, b/n, pag. 352) Soggetto: Marjane Satrapi. Disegni: Marjane Satrapi. Infanzia ed educazione sociale d’una donna iraniana. Nata nel 1969, Marjane Satrapi, in questo lungo racconto autobiografico, rievoca tutti i ben noti fatti - che i coetanei ricordano soprattutto attraverso lo “spettacolo tv” - della fine dell’impero dello Scià, la rivolta dei capi religiosi sciiti, l’occupazione dell’ambasciata Usa, l’avvento della “Repubblica Islamica” [1979], qui narrati di prima mano, soprattutto come incidenza nel privato.

Disegnato in maniera infantile, il soggetto adotta l’espediente dei tragici accadimenti visti con gli occhi della piccola protagonista, solo per dispensarci brevi lezioncine di morale, ma il tutto è confuso e manca una direzione etica certa. Con molte reticenze – Kohmeini è un nome inesistente – e qualche connivenza, la Satrapi non entra in sintonia col lettore europeo, e forse preoccupa quello statunitense.

Realizzato in non molto più tempo, pare, di quanto sia necessario per leggerlo, il secondo capitolo trasferisce la protagonista quattordicenne a Vienna, ma le storie di droga - raccontate con indifferenza -, e gli amori sbagliati, contornati di sesso suggerito, sono lontani da Andrea Pazienza e Lauzier, e tutto affonda in una noia mortale.

L’autrice, trasferitasi infine in Francia, dove vive, ha realizzato questo fumetto già trentenne, ottenendo premi e riconoscimenti in abbondanza – tuttavia sempre meno numerosi degli sfasamenti temporali, gli errori di cronaca, le cronologie sovrapposte, disseminati lungo il libro.

Uscito in quattro tomi oltralpe, con una divisione rispettata da un primo editore italiano, negli Stati Uniti “Persepolis” è raccolto invece in due volumi che servono da base per quest’edizione economica italiana – entrambi escludono il quarto tomo –, assai ben curata, a parte qualche svista nella traduzione.

Conan

2004-08-04T06:20:00.000+01:00

Conan **** (ITA [USA] 2004, col e b/n, pag. 272) Soggetto: Roy Thomas, Roland Green. Disegni: Barry Windsor-Smith, Dan Adkins, Sal Buscema, Claudio Castellini, Mike Farmer, Bud Larosa, Ralph Cabrera, Matt Ryan, Scott Hanna, Sandu Florea, John Buscema, Alfredo Alcala. Quest’antologia del Conan a fumetti – le edizioni originali si trovano nei comic book della casa editrice di Spiderman e X-men – spazia tra la produzione di tre decenni. Ben rappresentato il team Thomas / Winsdor-Smith [fine anni sessanta]. Per primi lanciarono il Barbaro nel comicdom, e qui sono autori, in una versione ricolorata dalla Dark Horse Comics, del bellissimo episodio “Ali diaboliche su Shadizar”. Se l’intermezzo di Castellini è modesto e dimenticabile, quando Roy Thomas, con John Buscema in grande forma alle matite, torna a prendersi cura di Conan per la rivista matura “Savage Sword of Conan” – metà anni settanta, negli USA in bianco e nero e formato magazine -, è l’intelligenza del lettore raffinato ad essere premiata. “La torre dell’elefante”, già realizzata per gli albi a colori, è qui dilatata, dipinta d’atmosfere e suggestioni - ed infine rispettosa del creatore Robert E. Howard. Angosciosa, ricca di incroci con la versione Hollywoodiana, è “Nascerà una strega”. Infine “La cittadella misteriosa”, splendidamente inchiostrata da De Zuniga – non creditato – va a costituire, con le due appena citate, un trittico [per oltre metà del volume] in cui la miscela tra la maestria dell’artigiano e la sensibilità d’artista ci offrono una lettura che rassicura sugli antichi amori, e su promettenti futuri, del media-fumetto epico.

Satanik: sbattito d’ali di vampiro

2004-06-25T20:25:00.000+01:00

Satanik: sbattito d’ali di vampiro *** (ITA 2004, b/n, pag. 128) Soggetto: Max Bunker. Disegni: Dario Perucca. Nello stato dell’Arizona, in una peculiare zona isolata con un’antica ara presso cui si trovano gruppi di satanisti, avvengono fatti strani. Una pattuglia del posto, mandata in ricognizione, fa i conti con misteriose apparizioni. Qualcosa cambia i due poliziotti intervenuti, che, di ritorno in centrale, non possono o non vogliono riferire gli accadimenti. Solo il funzionario FBI Trent, affiancato da una giovane e sagace assistente, riuscirà a gettar luce su un complesso intrigo, governato da forze occulte, all’opera per impedire alla maga Satanik, data per morta trent’anni prima, di ritornare nel nostro piano della realtà.
Max Bunker, il creatore della sadica mangiatrice d’uomini Marny Bannister/Satanik, rivisita il suo celebre personaggio, forse il più riuscito, in una graphic novel autoconclusiva in cui i generi sono abilmente miscelati al passo coi tempi. Eppure, se la narrazione è orchestrata sul filo della tensione d’un thriller televisivo, gli elementi sovrannaturali restano un po’ naif, e nel complesso tutta la trama si riduce ad un riannodo di temi lasciati in sospeso con la conclusione della serie originale [“Satanik” appunto] nel 1974 - legittima esigenza per Bunker, che non trascura di rievocare, a beneficio dei giovani lettori, le origini della "rossa del diavolo", stemperando ulteriormente i toni della suspence.
Un’operazione infine riuscita, ma resa scolasticamente dalle matite di Dario Perucca, che si rivela inadatto e mediocre.
Per i più attenti, godibili rimandi al film nipponico “Ringu”, alla serie a fumetti “Hellboy”, ed a molte altre gustose spezie.

Arte di Andrea Pazienza, L'

2004-06-15T22:30:00.000+01:00

Arte di Andrea Pazienza, L’ **½ (ITA 2004, b/n, pag. 224) Soggetto: Andrea Pazienza, Marcello D’Angelo. Disegni: Andrea Pazienza, Nicola Corona. Antologia dall’opera del disegnatore Andrea Pazienza, contiene “Le straordinarie avventure di Pentothal”, parte dell’albo “Zanardi” [prologo, “Pacco”, “Verde Matematico”, epilogo], e dell’albo “Pertini”. Cura ineccepibile nella riproduzione delle tavole e nel repertorio iconografico. Delude, coro unanime, il piccolo formato del volume, e – per gli appassionati – l’assenza di storie rare, tra le molte tutt’ora reperibili solo su rivista. A contorno dell’operazione, una copertina irresistibile [Zanardi] ed il prezzo della prima edizione: euro 4,90 per 224 pagine.

Alan Ford - … come nacque il Gruppo T.N.T

2004-04-27T10:44:00.000+01:00

Alan Ford - … come nacque il Gruppo T.N.T. *** (ITA 2004, b/n, pag. 128) Soggetto: Max Bunker (Luciano Secchi). Disegni: Magnus (Roberto Raviola). Ristampa quasi anastatica del numero 50 della prima serie regolare di Alan Ford [quella del 1969], datato agosto 1973, dove Magnus & Bunker ci raccontano senza reticenze e con molto gusto del grottesco, i ricatti e gli intrallazzi con cui il capo indiscusso dei nostri agenti segreti, il Numero Uno, riuscì ad avere il beneplacito dalle alte sfere per il finanziamento del gruppo. A completamento, le motivazioni ed i fatti specifici che portarono all’arruolamento di ogni singolo componente T.N.T., accadimenti spesso narrati a turno in prima persona, tra coincidenze desolanti, vaghi curriculum di disoccupazione, inettitudine, dubbia moralità [qualcuno scappa persino da “complicanze” legali].

Giochino facile del premiato duo Magnus & Bunker – il gruppo T.N.T. già si autodefinisce “scassatissimo” – ma la qualità artistica è altissima, ed i guizzi da manuale [“Ma fatemi ridere,” dice il Numero Uno ai massimi vertici “lo sanno tutti che qui c’è la sede della sicurezza nazionale”] sono sciorinati a raffica. Notevole l’infanzia di Alan Ford, cruda e commovente allo stesso tempo – solo per fare una difficilissima scelta nella galleria di trovate dell’albetto.

A chi nutrisse riserve sul “miglior fumetto italiano”, si consiglia la cura di questo numero.
L’albo si chiude con una galleria di immagini sulla topografia del negozio di fiori e del covo del Numero Uno, con una dimestichezza nello studio delle scenografie che restò punto di forza anche nell’ultimo Magnus.

I filologi notino invece che il numero 50 di Alan Ford ha un titolo diverso [“Così nacque il Gruppo T.N.T.”], e la copertina di questa ristampa è apparentemente riprodotta dal disegno originale di Magnus, in modo da sovrapporre il nuovo titolo, ed escludere gli strilli per manifesti ed adesivi regalati con la primissima edizione – mostrando in questo modo la realizzazione grafica nella sua completezza.

The Moth Special

2004-04-12T22:14:00.000+01:00

The Moth Special *** 1/2 (USA 2004, col, pag. 56) Soggetto: Gary Martin. Disegni: Steve Rude, Gary Martin. L’artista circense Jack Mahoney ha una doppia vita: accanto alle sue spettacolari esibizioni pubbliche sotto il tendone, si produce in misteriose estemporanee apparizioni, bardato d’un costume assai tecnologico degno del primo Batman, per punire piccoli malavitosi.
Narrata in parallelo coi ricordi d’un’infanzia in orfanotrofio, e della seminale educazione fisica e morale ricevuta nella prima famiglia mai avuta, il grande ambiente del circo, quest’avventura introduttiva di Jack nei panni di “The Moth”, vede l’eroe confrontarsi, nonostante l’incosciente e scanzonata fiducia riposta in sé stesso, con un avversario che forse difficilmente potrà sconfiggere: la Bestia, un demone mezzo leone e mezzo uomo, è evocato da riti pagani d’una tribù africana, e la carneficina che esso sta perpetrando in terre statunitensi è solo piccola parte d’un malvagio disegno di smisurate proporzioni ancestrali.
Lo scrittore Gary Martin, al servizio d'uno dei nuovi personaggi “di proprietà degli autori” del comics-dom statunitense, dona alla creatura dell’irreprensibile disegnatore Steve Rude un background credibile ed una suspence abilmente affilata.
Il team creativo pesca a piene mani, neanche poi tanto velatamente, dai brevi racconti anni ’60 apparsi su “Strange Tales” [la Torcia Umana a solo], dal Deadman di Neal Adams, condendoli di elementi grafici da The Punisher della Marvel, ed indulgendo infine in attualissime sequenze splatter che non valicano il buon gusto.
L’abilità di Steve Rude, votato da anni alla personalissima missione d’attualizzare la Silver Age, trova un’ulteriore ed ottima prova in questo one-shot, pilota d’una serie regolare per la Dark Horse. Ma la menzione particolare va ai colori di Glenn Whithmore, che rispettano magistralmente l’operazione vintage nonostante l’uso del computer.
In appendice una breve storia di doppi giochi e gang rivali, godibilissima nel suo puro stile Bill Finger [era già apparsa sulla rivista antologica “Dark Horse presents”].
Entrambi gli episodi sono inediti in Italia.

The Punisher The End

2004-03-15T22:30:00.000Z

Punisher: The End, The ***½ (USA 2004, col, pag. 64) Soggetto: Garth Ennis. Disegni: Richard Corben. Nell’imminenza di una guerra nucleare, il pianeta è in stato di allerta. Il direttore della prigione di Sing Sing ordina ai secondini di uccidere tutti i prigionieri: non può permettere ad “assassini e spacciatori di scorazzare in un deserto post-atomico”. Ma un prigioniero molto speciale, Frank Castle – il Punitore dell’omonimo albo supereroistico –, ha la meglio sui suoi aguzzini, e, conquistato il controllo del rifugio antiatomico del carcere, attende il momento per compiere la sua ultima vendetta.
Personaggio controverso dell’universo Marvel – da sempre i criminali li elimina fisicamente –, Punisher è l’occasione principe per un duo eccellente, l’ex underground Richard Corben e l’irlandese Garth Ennis, per mettere in pratica un’intesa artistica breve ma eccellente. La tematica post-nucleare, opprimente negli anni ‘50, poi distrattamente ravvivata durante la presidenza Reagan, è qui affrontata con approccio para-scientifico e durezza quasi insopportabile. Nel corso della vicen-da, come suggerisce i titolo, il Punisher beniamino dei fan estremi della Casa delle Idee, si decomporrà – da vivo – pagina dopo pagina, in una sequenza in cui i nostri autori dialogano coi lettori in perfetta simbiosi tra la penna dell’uno e la matita dell’altro. Un’opera di trasporto emotivo raro, che pone la fragilità umana dinanzi lo specchio delle proprie follie – con grande onestà.
Ben curata l’omonima edizione italiana cartonata.

1602

2004-01-31T21:17:00.001Z

vedi -> Marvel 1602

Marvel 1602

2004-01-30T15:55:00.000Z

Marvel 1602 ** 1/2 (USA 2004, col, pag. 216) Soggetto: Neil Gaiman. Disegni: Andy Kubert. Nell’Europa secentesca della regina Elisabetta, dell’inquisizione, delle brame di potere che generano trame sordide e cruente battaglie tra grandi nazioni e piccoli regni in pericolosa ascesa, la fine del mondo non è più annunciata da isolati e funesti profeti: il cielo è pregno di fiamme, di scariche elettriche senza temporali – essa è qui.
La causa del tutto è una perturbazione nello spazio-tempo, che ha portato il “precursore” del ventunesimo secolo in questa epoca che non gli si addice, ma che non vuole abbandonare. I nostri super-eroi [è il caso di dirlo] - dopo molte peripezie, viaggi per terra e per mare, rendendo inoffensive le più diverse minacce collegate, ma anche in segreto conflitto, tra loro –, dopo morti e rinascite [ci rimette platealmente la pelle persino la regina Elisabetta] -, riusciranno a sistemare le cose, forse con improbabili, implicitamente annunciati, sviluppi futuri [il finale è aperto].
Originale tentativo di Neil Gaiman, al suo primo lavoro importante per la Marvel Comics, di adeguare i personaggi di Stan Lee all’anno di grazia 1602. Nick Fury è colui che previene e recide complotti ai danni della regina, Stephen Strange è il medico di corte, i Fantastici Quattro sono coraggiosi avventurieri dei mari, Thor è il segreto dei Templari, il Dottor Destino un monarca dell’Europa centrale che ambisce [pensa un po’] alla conquista del mondo.
I topos della Silver Age ci sono tutti [non mancano ragni radioattivi, mutanti buoni e cattivi, ciechi dotati di ultrasuoni, mostri verdi che, prima di un’esplosione che ne scatena la furia, erano timidi e “normali”], così la narrazione, soprattutto nella prima parte, è intrigante e ricca d’attese. Gaiman sceneggiatore non manca di citare il William Shakespeare dell’Enrico V, l’Alan Moore di Watchmen, e certo cinema videoclip degli ultimi anni – ma l’espediente d’interrompere continuamente l’azione nei momenti “clue” sa più di telenovelas – ed il finale scade nelle più scontate “Secret Wars”, venendo a mancare l’elemento sorpresa d’una spiegazione globale [che arriva poco dopo metà dell’opera], talmente raffazzonata e confusa, che dev’esser mascherata da paroloni che nemmeno l’indiscusso talento dello scrittore riesce a porgere all’intelligenza dei lettori.
Andy Kubert dalla sua, anche alle chine, svolge diligentemente un lavoro su oltre 200 pagine, drammatizzando lo stile di Barry Windsor-Smith, e del Bernie Wrightson dei racconti dell’orrore – ma, quando insegue la sobrietà di Dave Gibbons, manca di rigore.
Grande prova di Richard Isanove ai colori digitali, che, vero, abusano dei tratteggi elaborati con filtri elettronici, e pure l’artista possiede una tavolozza al servizio della trama [i salti repentini di scene/ambienti sono compresi con l’alternarsi delle tonalità dominanti], e soprattutto, come una partitura musicale, nei momenti cruciali [annuncio, climax, e conclusione del pathos], ci conduce attraverso la drammaticità degli eventi.

L'Uomo Ragno – Identità Segreta

2004-01-21T14:46:00.002Z

Uomo Ragno – Identità Segreta, L’ ** (ITA [USA] 2004, col, pag. 336) Soggetto: Brian Micheal Bendis, Bill Jemas. Disegni: Mark Bagley, Art Thibert, Dan Panosian. New York, oggi. L’adolescente Peter Parker, durante una visita scolastica agli Orsbon Institutes, futuristici laboratori di ricerca scientifica, viene morso da un ragno-cavia, nel cui corpo i ricercatori avevano immesso un particolare componente. Anziché morirne [sarà ad un passo], Peter acquista la forza, l’agilità, la capacità di scalare i muri del ragno – e finirà per tirarsi addosso una montagna di guai, a cominciare da quando con indifferenza lascia fuggire un ladruncolo che poco dopo ucciderà il padre putativo di Peter, zio Ben; e poi la minaccia di Orsbon stesso, tramutatosi in una mostruosa montagna di muscoli verdolini; fino al confronto col boss Kingpin e tutti i suoi accoliti.
Ragionevole paperback italiano [ne “I Classici del Fumetto di Repubblica”], con happy ending, che raccoglie i primi tredici numeri del comic-book “Ultimate Spiderman” [2000-2001], serie con cui la Marvel Comics si propone di modernizzare il celebre ragnetto, secondo una “drammatizzazione tipica del fumetto contemporaneo” – è in realtà uno dei numerosi tentativi, non sempre fruttuosi, di rigenerare l’universo della Casa delle Idee [2099, Heroes Reborn]. La confezione lussuosa della serie originale [cover dipinte, colori al computer, ritmi serrati, espedienti grafici innovativi] non raggiunge i livelli medi della pur desolante produzione Image anni ‘90, ed i dialoghi [che secondo le note di copertina si ispirano ad “autori come David Mamet e Woody Allen”] sono frettolosi e superficiali, per quello che ha offerto questo fumetto in quarant’anni. E se i personaggi di contorno, nella serie originale, erano abilmente approfonditi psicologicamente dal creatore Stan Lee [con Steve Ditko] con veloci battute e scarne vignette, qui agli stessi è attribuito non molto più di un nome ed un ruolo. Al contrario i momenti clue della saga [l’apprendimento da parte di Peter dei propri poteri, la scoperta del senso di ragno] sono diluiti ad libitum senza sfiorarne la drammaticità e lo stupore.
Alla prova dei fatti, questa versione “definitiva” attinge ai danni compiuti da John Byrne col suo “Man of Steel” [ovvero Superman. Le “origini” di entrambi si svolgono ai giorni nostri, tra computer e abbigliamenti hip-hop; l’alter-ego del super character non è più uno sfigato, ma quantomeno un insuperabile campione nelle discipline sportive scolastiche; il cattivo principale è un businessman che gode di coverage TV e stima diffusa e consolidata], vanificando non tanto l’obiettivo – furbo? –, degli autori originali, di creare immedesimazione tra lettori e protagonista, ma soprattutto stemperando la riflessione sui casi del destino, sulle motivazioni e le psicologie che caratterizzano i personaggi.
Grandissimo successo mondiale comunque per i titoli Ultimate, che attingono in fondo ai linguaggi televisivi e allo stile manga, conditi da un abile ritorno a ritmi anni ‘70 [il punto più basso, creativamente parlando, della Marvel]. Il tutto fa presagire lunga vita e buona salute alla serie [ed a quelle ad essa collegate], con la complicità quasi totale del fandom. L’edizione è un’antologia originale per il mercato italiano. Solita tradu-zione del testo grafico in italiano, con esiti scadenti. L’undici settembre è qui citato con un laconico “orribile attacco alla nostra città”.

Thor X

2004-01-15T23:12:00.000Z

Thor X * (ITA 2004, col, pag. 48) Soggetto: Dan Jurgens. Disegni: Tom Raney, Scott Hanna. Nel cielo di New York si materializza un’isola. Spinti ad indagare, l’Uomo Ragno ed i delegati delle Nazioni Unite si trovano a patteggiare con il mitico Thor, obnubilato dal potere acquisito alla morte del padre degli Dei, Odino.
Racconto tratto dalla serie americana “Thor” del 2002, ripubblicato in questa monografia per i dieci anni della casa Marvel Italia [X sta per “dieci”]. Arricchita di materiale iconografico e redazionali che pubblicizzano le altre collane della casa modenese, la pubblicazione è però soprattutto un grande “mi ricordo”, a firma degli editor italiani, del direttore responsabile, e di vari collaboratori. Clima festoso e fotografie degli insider, per un’operazione tutta dedicata agli addetti ai lavori.

Batman Illustrated by Neal Adams Vol. 1

2003-08-15T22:30:00.000+01:00

Batman Illustrated by Neal Adams Vol. 1 *** (USA 2003, col, pag. 240) Soggetto: Leo Dorfman, Cary Bates, Bob Haney. Disegni: Neal Adams, Dick Giordano, Carmine Infantino, Vince Colletta, Curt Swan, Joe Kubert. Col nuovo millennio, la DC Comics decide di azzerare tutte le bizzarre ristampe [paperback in bianco e nero, miniserie ricolorate, ecc] che ripresentavano l’opera di Neal Adams per Batman – titanico sforzo, in quantità, ma soprattutto per le intenzioni dell’artista di riportare il detective incappucciato alle cupe atmosfere delle origini [fine anni ‘30]. L’impatto che ebbe Adams nella cultura pop americana è ben più vasto del suo lavoro a fumetti. Coetaneo di Lennon e Dylan, era pressato dall’urgenza [per alcuni anni lavora nella pubblicità, poi nelle strisce quotidiane] di partecipare/contribuire alla wave degli anni sessanta. Molto correttamente, in questo primo volume – di tre complessivi – la DC mette assieme tutta la produzione di Adams in un preciso periodo [1967-1969] delimitato a monte dai suoi esordi psichedelici nell’Estate dell’Amore [la saga di Deadman ], a valle dal rock crepuscolare degli episodi scritti da Denny O’Neil che troveremo nei volumi successivi. Che questa fase sia di transizione, è confermato dalla provenienza delle storie: la classica serie “The Brave and the Bold”, che, pubblicata discretamente in parallelo con i best-seller “Detective Comics” e “Batman”, trova il suo appeal nel presentare Batman in coppia, ogni numero, con un eroe diverso della casa editrice [qui Superman, Flash, i Giovani Titani, Creeper, Aquaman, lo stesso Deadman]. Ma il volume è anche “due libri in uno”: oltre a nove lunghe storie di tono poliziesco, c’è l’intera raccolta di copertine che Adams offriva ad altri autori, e dove già sperimentava le oscurità dell’icona uomo-pipistrello. Perciò il volume è programmaticamente anche un “libro d’arte” - con le sue dimensioni da coffe table, la carta patinata ed il resto. Per i lettori italiani che leggevano le edizioni Mondadori dell’epoca, quasi tutto [storie e copertine] è impresso nella memoria. E la fine di questo volume coincide quasi esattamente con le ultime pubblicazioni della casa di Segrate, prima della rinuncia di tradurre i supereroi americani. Alle nuove generazioni sono invece riservate le colorazioni computerizzate, ricche di effetti speciali. Batman anni ’70 si allinea alle produzioni attuali statunitensi [ipertrofie e fotoritocchi], obnubilando la ricchezza espressiva dell’artista newyorkese, e sofisticando un prodotto che confonde e sovrasollecita i sensi. Neal Adams comunque è stato attivamente consultato per tutta l’opera: contribuisce con illustrazioni, supervisiona il restauro delle tavole, scrivendo anche una bella introduzione – dove si scusa per il prezzo del volume [49,99 dollari]. In Italia il libro, stampato però in Spagna, arriva nel 2007, a prezzo accessibile, ma con una lunghissima lista di svarioni.

Hulk: Grigio

2003-05-27T09:09:00.000+01:00

vedi -> Hulk Gray

Hulk Gray

2003-05-26T22:45:00.000+01:00

Hulk Gray *** (USA 2003, col, pag. 160) Soggetto: Jeph Loeb. Disegni: Tim Sale. La pluripremiata ditta Jeph Loeb & Tim Sale torna alla Silver Age della Marvel Comics, questa volta per concentrare la propria bravura sulla breve vita [editoriale] del titolo “Hulk”, curato con altrettanta maestria, per soli sei numeri, da Stan Lee & Jack Kirby tra 1962 e 1963.
Ed è proprio in una di quelle notti Kennedyane, che il dottor Bruce Banner, investito da un’esplosione nucleare, si trasforma nel suo mostruoso doppio “Hulk”. Appoggiato dal giovane beat Rick Jones, braccato dallo psicotico Generale Ross, temuto ma placato dalla figlia di quest’ultimo, Betty, il potente gigante verde semina distruzione tra le sculture naturali del Gran Canyon, contro proiettili che rimbalzano, carri armati che volano, montagne che si sgretolano – fino ad un classicissimo scontro, veramente molto “era dell’argento”, con lo scintillante Iron Man.
I due talentuosi revisionisti Loeb-Sale, tornati nel luogo del delitto che li aveva portati già ad esplorare gli esordi di Daredevil e di Spiderman, mantengono la medesima fluidità narrativa, e le atmosfere a mezza via tra il racconto dell’anima e l’elegia funebre.
Se resta sorprendente l’abilità d’appassionare e coinvolgere nel formato volume [che raccoglie l’originale “miniserie”] - difficile da lasciare per un istante -, pure fa capolino un’incertezza rispetto alle altre opere sui supereroi Marvel - soprattutto l’ultimo “Spiderman Blue”.
C’è qui un forzato utilizzo della craftsmanship - una perizia consolidatasi nelle prove precedenti, ma gli autori non ritrovano l’emozione, il doloroso filo conduttore che costringeva i protagonisti lungo quei viaggi a ritroso.
Ispirandosi dichiaratamente al mostro di Frankenstein di Boris Karloff, e velatamente ad alcune tematiche psicoanalitiche dell’era Peter David, i due artisti si perdono soprattutto nell’impossibilità di identificare il Mostro – i cui atti Banner ricorda a malapena – col lettore.
Un occasione parzialmente perduta, che non manca tuttavia di dare nuova linfa al filone dei “super problemi” del primissimo Stan Lee – che siamo spinti a rileggere più spesso del suo “Grigio” remake.

Autobiographix

2003-05-24T06:58:00.001+01:00

Autobiographix *½ (USA 2003, b/n, pag. 104) Soggetto: Frank Miller, Sergio Aragonés [Sergio Aragonés Domenech], Will Eisner [William Erwin Eisner], Jason Lutes, Paul Chadwick, William Stout, Bill Morrison, Linda Medley, Diana Schutz, Matt Wagner, Eddie Campbell Fabio Moon [ignoto], Gabriel Bà [ignoto], Stan Sakai, Metaphrog [Sandra Marrs, John Chalmers], Richard Doutt, Paul Hornschemeier. Disegni: Frank Miller, Sergio Aragonés [Sergio Aragonés Domenech], Will Eisner [William Erwin Eisner], Jason Lutes, Paul Chadwick, William Stout, Bill Morrison, Linda Medley, Arnold Pander, Matt Wagner, Eddie Campbell, Fabio Moon [ignoto], Gabriel Bà [ignoto], Stan Sakai, Metaphrog [Sandra Marrs, John Chalmers], Richard Doutt, Farel Dalrymple, Paul Hornschemeier. La casa editrice Dark Horse – che dal 1986 promuove il fumetto d’autore statunitense ed internazionale [pubblica anche Dylan Dog], commissiona ad alcuni dei propri fumettisti il tema del racconto breve autobiografico. Gli autori più noti [Will Eisner, Frank Miller] sono incaricati di aprire il volume, ma tra tutti svetta Sergio Aragonés, già stimato per i trascorsi nella rivista satirica “Mad”, che ironizza su un suo antico incontro con Richard Nixon. Anche Eisner delizia con un prologo ideale al romanzo grafico “Il sognatore”: qui, anziché focalizzare sui primissimi anni da professionista, ripensa addirittura a quando bussava alle case editrici coi disegni sotto braccio.
Le storie rimanenti sono prevalentemente imperniate su aneddoti di lavoro e viaggi, due aspetti della vita sociale che gli statunitensi amano esibire. Per questo – Eisner non fa eccezione – la magia della creazione del fumetto d’intrattenimento e d’avventura non soccorre questi professionisti allo specchio delle loro brame.
La raccolta è uscita in Italia col titolo “Autobiografico – vite a fumetti”, con una nuova veste grafica che sottolinea la presenza di Eisner nel volume.

Tex

2003-03-31T22:27:00.001+01:00

Tex * 1/2 (Ita 2003, b/n, pag. 272) Soggetto: Gianluigi Bonelli. Disegni: Giovanni Ticci. Questo volume dedicato a Tex assunse una rilevanza tutta speciale alla sua uscita: era infatti il primo numero in commercio della serie "I Classici del Fumetto di Repubblica" - quello precedente, dedicato a Corto Maltese, fu distribuito gratuitamente col diffuso quotidiano del Gruppo L'Espresso -, dopo un battage pubblicitario a suon di spot televisivi, e tutto considerato, con la grande attesa di addetti ai lavori, curiosi ed appassionati - si vociferò d'una tiratura attorno alle 600.000 copie. Epperò, l'antologia perfetta dell'eroe più longevo ed amato del fumetto italiano, scontentò tutti. I neofiti non fanno conoscenza nè del Tex del periodo strepitoso di Galeppini, fin dai primi albetti a striscia, nè della produzione recente, ben rappresentata dal segno pulito e sofisticato di Claudio Villa; nel mentre i lettori di vecchia data non ritrovano, magari con rassicurante piacere, le storie più belle destinate a rimanere su albi ingialliti dal tempo - ma neanche qualche rarità. Solo due lunghissimi racconti: saggi di mestiere, prodotti in un periodo intermedio [1977 e 1982], a riempire qui un volumetto che molti hanno lasciato in edicola, dissuasi da mediocrità e prevedibilità. Con lo stupore che suscita l'operazione, s'accompagna il dubbio su quali sarebbero risultate le vendite [non la tiratura], in questa irripetibile circostanza, d'una selezione d'avventure che accontentasse soprattutto quegli ultimi [ed in definitiva tutti].

La casa sull’abisso

2000-07-07T16:34:00.001+01:00

vedi -> The House on the Borderland

The House on the Borderland

2000-07-02T16:52:00.001+01:00

The House on the Borderland *** (USA 2000, col, pag. 96) Soggetto: Simon Revelstroke. Disegni: Richard Corben. Due giovanotti, in scampagnata per la fascinosa Irlanda dei piccoli villaggi, s’imbattono in una casa in sfacelo ed isolata, dove trovano un manoscritto. Da esso apprendono che l’ultimo proprietario dell’inquietante maniero, accompagnato solo dalla sorella e dal cane, aveva laggiù abbandonato i rapporti col resto del mondo, solo per trovarsi assediato da creature suine dalle intenzioni indicibili. Succube d’una vita d’indistinguibile mistura tra incubo apocalittico e realtà di follia, l’autore dello scritto assiste persino allo spegnimento del sole, finché si autodestina, in un futuro d’inverni perenni, a vigilare sul “confine” che separa le creature dell’abisso dal mondo di cui vorrebbero impossessarsi. Lunga novella del 1908 di William Hope Hodgson – che cita evidentemente il Poe della Casa degli Usher, e sarà di grande ispirazione per Lovecraft [che già riconosceva i meriti dell’autore irlandese, ma con certa ritrosia] –, è qui adattata alla forma fumetto da due autori consolidati, che decidono di rispettare il racconto in prima persona a più livelli – l’io narrante legge il manoscritto nei propri ricordi, ed il manoscritto stesso racconta di sogni e fantasie -, oltre all’intrinseca incomprensibilità di molti passaggi e del finale. Se Revelstroke si è attirato pletore di critiche per la fedeltà/infedeltà dell’adattamento, un Richard Corben misurato regala momenti di grande fascino grafico, e traduce in “spiegazioni” visive il fiume di parole con cui – in ritardo già nei primi anni del secolo – Hodgson intendeva evocare gli angeli d’oscurità che s’annidano nell’animo umano [il romanzo moderno, in contemporanea o di lì a poco, lo supererà ampiamente su altri registri e migliori obiettivi].
Molto buona la confezione del volume USA Vertigo, ed anche dell’edizione italiana, che presenta una traduzione dall’inglese adeguata allo sforzo – parzialmente centrato - del duo artistico.
Prefazione – evasiva – di Alan Moore.

Hellblazer: Hard Time

2000-06-29T06:00:00.002+01:00

Hellblazer: Hard Time ***½ (USA 2000, col, pag. 128). Soggetto: Brian Azzarello. Disegni: Richard Corben. L’inglese John Constantine sta scontando una condanna a trentacinque anni in un carcere statunitense. Appena entra, viene messo al corrente sui diversi gruppi sociali – italoamericani, musulmani, portoricani -, e sulle regole non scritte che i detenuti riconoscono. Eppure preferisce lo scontro diretto con chiunque, salvo un’opportuna amicizia con l’anziano ergastolano che si autodefinisce capo della comunità carceraria. In realtà quest’ultimo attende il momento opportuno per incastrare il neo-arrivato per l’omicidio di una guardia. Ma Costantine ha degli assi nella manica: sobilla una sanguinosa rivolta, e la sua influenza sui compagni diventa strumento per crudeli rese dei conti.
Pubblicato in cinque episodi nella collana DC/Vertigo “Hellblazer” nel 2000, questo racconto con protagonista lo stregone John Constantine è raccolto poi in singolo volume paperback: pretestuosamente un fumetto mainstream, appare piuttosto un romanzo grafico sui generis. I due autori – Brian Azzarello scrive anche “100 Bullets” per la stessa linea editoriale, Richard Corben è ragionevolmente l’iniziatore nel 1975 della tradizione del graphic novel – producono una storia la cui autonomia narrativa è un escamotage – forse voluto dai businessman della grande casa di fumetti DC - per conquistare i lettori occasionali. La crudezza della vicenda [il detenuto impopolare a cui servono minestra con vetro tritato; il traditore a cui è mozzata la lingua] percorre i cliché del racconto epico urbano novecentesco post-esistenzialista offerto alle masse-compratori: infatti l’inferno – l’antagonista ideale della collana “Hellblazer” –, e la somma di molti esseri umani irrefrenabili, si equivalgono. Ad elevare un’opera di forti emozioni splatter verso notevoli risultati artistici, interviene soprattutto lo stile antinaturalista di Corben, che ritrova sé stesso nelle radici d’auto-produzione anni ’60 - comunque l’intesa tra i due autori, assai diversi d’età e per riferimenti, è ammirevole. Le poche note stonate, tra cui una chiusura frettolosa – Costantine verrà liberato su due piedi da un agente plenipotenziario dell’F.B.I. –, e l’eterogeneità di genere – dal carcerario all’horror [non dichiarato, quest’ultimo, ma atteso dal target], al melò - sono accettabili in virtù dell’impegno sopra la media - e del grande amore con cui è proposto un fumetto altrimenti uniformemente disturbante.
In Italia esce – pure - in cinque parti, nella rivista “Vertigo Presenta” con ottimo adattamento italiano, ed una intenzionale carenza di apparato critico.

Adastra in Africa

1999-07-15T22:30:00.001+01:00

Adastra in Africa *** (USA 1999, b/n, pag. 56) Soggetto: Barry Windsor-Smith [Barry Smith]. Disegni: Barry Windsor-Smith [Barry Smith]. Nel cuore dell’Africa Nera la dea Adastra porta acqua e vegetazione in un villaggio afflitto dalla carestia. A questo popolo tragico è chiesto però un ultimo sacrificio.
Favola dolceamara nel più autentico stile di Barry Windsor-Smith, da un lato ancora memore della collaborazione artistica con Chris Claremont, dall’altro entusiasticamente fiducioso nel nuovo corso della sua avventura editoriale “Storyteller”. Opera breve ed intensa, va amata come poesia, accettata nella sua vaga ed evocativa ispirazione Joyciana, e compresa per la sua particolarità sperimentale: Adastra “pensa” [tutta la prima parte utilizza solo didascalie in prima persona] come nei versi del Grande Bardo, ma “parla” lo slang dei quartieri popolari di New York. Altrettanto i disegni, in bianco e nero [prima prova senza il colore per Windsor-Smith, se escludiamo qualche antico fumetto su “Epic Illustrated”], sono un dialogo privato tra l’artista ed il suo immaginario, persi in mille dettagli al limite della leggibilità, a discapito delle profondità di campo, e solo lontanamente al servizio della sceneggiatura. Una prova di coraggio, se possibile da amare senza chiedere altro.
L’edizione italiana, arrivata solo nel 2005, manca l’obiettivo di trovare un registro linguistico per le didascalie di gusto elisabettiano – ed è un peccato.

Figate

1999-06-04T15:41:00.001+01:00

Figate *** (ITA 1999, col e b/n, pag. 100) Soggetto: Filippo Scòzzari. Disegni: Filippo Scòzzari. Non si tratta di una raccolta a fumetti propriamente detti, ma d’una ragionata selezione di illustrazioni che Scòzzari nei quindici anni precedenti l’uscita del libro, ha pubblicato un po’ ovunque, da Frigidaire, a – la parte più corposa – la rivista Blue, diretta dallo stesso Francesco Coniglio qui curatore del volume – oltre ad una sezione inedita realizzata appositamente: disegni e dipinti a soggetto Suor Dentona.
Se il volume è studiato soprattutto per rendere disponibile ad un pubblico meno di nicchia, rispetto a quello della citata Blue, le molte opere realizzate da Scòzzari per il mensile erotico, ciò ha un senso preciso, perché quegli anni [primi ‘90] hanno rappresentato nuova linfa artistica per il maestro del fumetto italiano – valendogli, cosa più importante tra molti riscontri possibili, il plauso e lo stupore di colleghi, vecchi e nuovi compagni di cordata, che a questo approccio “d’elite ” si sono poi ispirati, nutriti, ricaricati.
Pertinente dunque la confezione extra-lusso: grande formato, copertina cartonata, stampa d’altissima qualità – anche se Scòzzari, autore anche del bel progetto grafico, non ci concede di riporre finalmente negli scaffali qualcosa di completo, esauriente, definitivo. Giocando infatti col lettore, il co-fondatore di Frigidaire cambia titoli alle illustrazioni rispetto alla prima pubblicazione, o successive esposizioni in gallerie; le date scritte a mano sulle tavole sono spesso di pura fantasia; alcuni – molti – disegni sono ritoccati, camuffati e re-inventati. Anche studiando la filologica mappa nelle ultime due pagine del libro, ci si trova alla partenza verso una caccia ad altri volumi, vecchi albetti, nuove mostre – ove finalmente catturare un lavoro in perenne progresso, di per sé inafferrabile.
Niente fumetti, dunque. Ma se il viaggio nel “new deal” Scòzzariano, che ama citare amabilmente solo sé stesso, si nutre d’una foll[i]a di riferimenti multimediali - le caratterizzazioni tardo impressioniste alla Toulouse-Lautrec, i gusti cromatici pop di Peter Max, il grottesco pre-rinascimentale di Hieronymus Bosch - sono ancora i comics underground USA, l’onirico Moebius, il nuovo fumetto digitale, a motivare la matita dell’autore - dunque questo libro è “anche” un unico lungo fumetto, da leggere/sfogliare con la stessa passione che ha fatto amare a tre generazioni “La Dalia Azzurra” e “Dottor Jek”.
Il volume, per sua stessa vocazione, è stato distribuito internazionalmente - con riconoscimenti che meritano quanto il libro: un noto rivenditore d’arte erotica e bizzarra statunitense lo segnala come “very disturbing” – che, considerato il tono incensatorio dello strillo promozionale, dev’essere un bel complimento.
“Figate” ha ricevuto la nomination al Comicon di Napoli del 2000, nella categoria “miglior disegnatore dell’anno”.

Diabolik – Il re del terrore

1999-05-04T11:34:00.001+01:00

Diabolik – Il re del terrore ** 1/2 (Ita 1999, b/n, pag. 128) Soggetto: Angela Giussani, Luciana Giussani. Disegni: non accreditati. Il ricco affarista Stefano Garian torna da un soggiorno di lunghi anni in India, in occasione della maggior età del figlio Gustavo – che entrerà in possesso di una grossa fetta del patrimonio di famiglia. Ma la sera precedente l’arrivo, alla suntuosa villa della cugina di Garian padre - la donna ha cresciuto Gustavo come un figlio – quest’ultima viene brutalmente uccisa. Dopo una serie di colpi di scena [tra l’altro sembra che Gustavo si sia suicidato], padre e figlio scappano assieme, per evitare le conseguenze d’indagini di polizia che vedono proprio Gustavo principale sospetto, per un momento di follia omicida di cui pare non ricordare nulla.

Ristampa semi-anastatica del primo celebre numero della collana dedicata all’inafferrabile criminale Diabolik – uscito nel novembre 1962 -, ripropone la contorta trama in cui il “re del terrore” è demoniacamente onnipresente, senza che sia rivelato il suo ruolo, se non a vicenda inoltrata.
Le caratteristiche degli albi più standardizzati degli anni che verranno sono qui tutti tracciati: l’ispettore Ginko è una miscela di dedizione alla causa della legge e di amarezza per i continui fallimenti nella caccia a Diabolik; la terribile fama del protagonista in nera calzamaglia è l’argomento monopolizzante dei “pour parler” dei semplici cittadini; e Diabolik già uccide all’arma bianca senza esitazione o relazione alcuna col fatto che la vittima sia o meno un pericolo per lo stesso.
Privo ancora della nera Jaguar con cui siamo soliti associarlo, ed ancora lontana la bella Eva Kant, nelle sue apparizioni in borghese il criminale è un uomo glaciale, fascinoso e seduttore [alla fine della storia fuggirà in compagnia d’una inconsapevole ed innamoratissima infermiera, che ha avuto un involontario ruolo nella messa a segno del colpo di Diabolik], ed è rappresentato con uno stile nel disegno che attinge piacevolmente all’espressionismo astratto statunitense – anche se retini e tratteggi, utilizzati con quanto più anti-naturalismo possibile, rendono a volte illeggibili le vignette.
Le note critiche finali [ovviamente scritte nel 1999] ci spiegano come e quando, a partire dall’agosto 1964, quest’albo venne ridisegnato da un’altro artista, e riproposto sia nell’edizione originale sia in quella apocrifa, in una lunga lista d’occasioni. Ma, secondo la casa editrice di Diabolik Astorina, questa ristampa, concessa in licenza alla Max Bunker Press, è senza’altro quella definitiva.

300

1999-03-15T22:30:00.001Z

300 **½ (USA 1999, col, pag. 88) Soggetto: Frank Miller. Disegni: Frank Miller. Nel 480 AC la penisola Ellenica è minacciata dagli eserciti di Serse, il re Persiano venerato come un dio. Leonida, condottiero di Sparta, ne uccide il messaggero in spregio alle leggi, e – dopo aver consultato l’Oracolo – si prepara con 300 valorosi verso una guerra apparentemente persa.
Frank Miller, il celebrato creatore di Elektra e della serie “Sin City”, con grande impegno manageriale ed artistico ricrea a fumetti la battaglia delle Termopili, la cui importanza è moderata per gli storici, ma che l’autore del Vermont amò nell’infanzia attraverso il film del 1962 “The 300 Spartans”. L’approccio Milleriano, digerito il polpettone cinematografico, è però adulto e colto. Assistito dalla moglie Lynn Varley ai colori, racconta la cupa figura di Leonida nei ricordi degli addestramenti adolescenziali, mentre saggia il morale delle truppe sul campo, ed infine in battaglia, dove si distingue per valore e strategie. La narrazione è cadenzata da alcune scene da immaginario collettivo [“torna col tuo scudo – o su di esso”], ed una sequenza in particolare – il rifiuto da parte di Leonida di arruolare lo spartano deforme – eleva le antiche lotte tribali Omeriche ad una assai accorata religione della guerra. Col piacere di ritrovare il disegno classico d’un autore che da anni lavora coi soli mezzitoni bruciati, restano le perplessità per una seducente successione di scene guerresche, sovrastate dalle campiture nere delle masse rocciose, dalla pioggia di lance, dove solo abili artifizi grafici differenziano amici e nemici – unici messaggi inconsci di Miller sugli spargimenti di sangue dovuti ad arroganza, monomanie militaresche [“vedi, vecchio mio? Ho più soldati di te”], ed incapacità al dialogo. Le connessioni con l’amministrazione Bush, ed il suo corrispettivo arabo Saddam Hussein, sono state notate molti anni più tardi, mentre l’opera riceveva ampio consenso, ed il prestigioso Harvey Award.
L’epopea dei 300 viene pubblicata su comic-book nel 1998, in formato – non a caso – “wide screen” su due pagine affiancate. Ristampato in volume orizzontale l’anno successivo, il fumetto è leggermente modificato dall’autore, per consegnare un volume coerente e di facile lettura. In Italia conserva il titolo originale in due edizioni quasi identiche.

Kriminal – Il re del delitto

1999-01-23T21:38:00.001Z

Kriminal – Il re del delitto *** (Ita 1999, b/n, pag. 128) Soggetto: Max Bunker. Disegni: Magnus. Londra 1964: tre influenti soci in affari, Grant, Bruke e Harrison, proprietari della potentissima Ireland Petroleum, ricevono dei truci messaggi: l’aver estromesso il socio fondatore Logan, poi finito suicida, costerà loro carissimo. Quasi una vendetta dall’aldilà, una rapida successione di macabri eventi porterà dapprima alla decapitazione del figlio di Harrison in un incidente motociclistico, poi alla morte dei tre affaristi, secondo i modi più spietati possibile.

Prima avventura in assoluto dell’ispettore Milton e naturalmente del suo implacabile antagonista Anthony Logan – che apprenderemo essere figlio del socio suicida – che, nei panni dell’inafferrabile assassino Kriminal, ingaggia sullo sfondo di un thriller a base di quote azionarie rubate e giacimenti petroliferi miliardari, il primo dei numerosi scontri con l’integerrimo poliziotto della Corona.

Pubblicata in origine nell’agosto del 1964, questa ristampa, in numero unico semi-anastatico, rappresentò l’inizio della fortunata serie dedicata a Kriminal, che in breve giungerà addirittura ad una periodicità settimanale.

Considerata comunemente dagli storici del fumetto una testata inaugurata “sulla scia del successo ottenuto da Diabolik” [Fossati], circostanza peraltro ammessa dal creatore Luciano Secchi/Max Bunker, che ricicla la prima avventura del concorrente in vari punti – ad esempio il criminale viene introdotto ai lettori durante un ricevimento “bene”, tra le chiacchiere che riecheggiano una truculenta fama già acquisita -, e nonostante entrambi siano personaggi mascherati che colpiscono occultamente mediante un’intelligenza superiore, con un agire senza remore, ed entrambi siano dotati un magnetismo esercitato su affascinati quanto sfortunate esponenti del gentil sesso -, questo esordio dal duo Magnus & Bunker [duo destinato a divenire celebre] doppia di parecchie lunghezze, sia nelle competenze tecniche che nella qualità artistica, la propria fonte di ispirazione.

Metabolizzata egregiamente la lezione del cinema di Joseph Losey, Nicholas Ray, Elia Kazan, sul mal di vivere dei giovani “maudit” - portatori non del tutto consapevoli delle tematiche Sartiane -, Max Bunker miscela per il carattere del suo Anthony Logan le interpretazioni di Anthony Perkins in “Psyco”, di Warren Beatty in “Spendore sull’erba”, o lo stesso Mongomery Clift - ma lo vuole, graficamente, soprattutto a misura d’un Terence Stamp appena esordiente.

Il giovane disegnatore Raviola, qui semplicisticamente bollato dalla recente critica come acerbo, sciorina in 120 pagine a due sole vignette una folta serie di icone grafiche destinate a penetrare il gusto e gli standard della nona arte – dal viso falsamente innocente della moglie di Bruke, che torna da una notte con l’amante [lo stesso Kriminal], alla medesima che cade a terra percossa dal Re del Delitto, senza che sia rappresentata la violenza, o ad un Kriminal camuffato da vecchietta minuta e ricurva, fino alla Camusiana impiccagione di Bruke – mentre la tanto citata enfasi di sesso e violenza - come la morte in un film bellico -, è riscontrabile solo a ragione.

Nelle note del volume Max Bunker segnala questa ristampa come la prima nel formato libretto, dopo un unico precedente del 1989. In realtà l’episodio venne ripubblicato in appendice ad un numero doppio della serie regolare di Kriminal [il 250], ma con alcuni interventi di auto-censura.

Alla copertina, da questo numero uno in poi, e per quasi dieci anni, il bravo illustratore Luigi Corteggi.

TIM mobile packaging di Roberto Baldazzini

1999-01-19T13:40:00.001Z

1998-11-15T06:44:00.000Z

Le Sommeil du monstre **** (FRA 1998, col, pag. 69) Soggetto: Enki Bilal [Enes Bilal]. Disegni: Enki Bilal [Enes Bilal]. New York negli anni '20 del XXI secolo. Nike Hatzfeld, un uomo nato a Sarajevo sotto le bombe del conflitto Serbo-Bosniaco, ormai adulto, ha poteri speciali. Attira l’attenzione d’un ordine sovversivo, la doppia O, che tenta di soggiogarlo. Nike ha un legame con Leyla e Amir, due connazionali che altrove contrastano, senza piena coscienza, il tentativo della doppia O di manipolare gli adepti, e di controllare informazioni di importanza mondiale. Lo stesso Nike, credendo d’essere protetto da forze governative, si scontra con connivenze d’alto loco. Pur comprendendo parzialmente l’ordito, infine Nike riesce a scongiurare il pericolo incombente, ed a ritrovare Leyla.
Discepolo di Moebius ed eccellente rappresentante della Francia di Metal Hurlant, il serbo Bilal si allontana dall’impegno politico e dalla sociologia mediatica praticata in collaborazione con Christin, per tornare all’antico amore della fantascienza bionica, lungo una vicenda dalla perfezione strutturale, priva d’alcun debito verso letteratura e cinema. Gli artifizi narrativi – idiosincrasie per impianti protesici, convivenza con gli automi, bio-tecnologia al confine tra medicina ed ingegneria – sono il tallone d’Achille dell’autore, che dedica troppo tempo ad atmosfere e temi digeriti ed invecchiati. La messa in opera, delicati pastelli al disegno, ed adeguata interazione degli elementi testuali, è alto professionismo, al punto che l’autore astrae da essi liberandosi da qualsiasi ostacolo esecutivo. Pure, le tematiche che offrono spunti soprattutto su controlli tecnologici occulti, sono poco interessanti per l’autore stesso, e Bilal – nel suo accorato grido primale per la lacerante guerra in patria [tutto riservato alle didascalie] – guarda alle relazione sentimentali come unica dimensione umana salvifica. Tutto il resto è interferenza, che, da umile fumettista, riserva al contesto mediatico in cui è consacrato artisticamente.
Tradotta in Italia col titolo “Il sonno del mostro”, la graphic novel ha due seguiti: “32 dicembre”, e “Appuntamento a Parigi”. Un ulteriore capitolo, “Quattro?” è uscito nel 2007.

A Family Matter

1998-02-09T13:32:00.003Z

A Family Matter *** (USA 1998, b/n, pag. 64) Soggetto: Will Eisner. Disegni: Will Eisner. Romanzo corale: il nullafacente Joe attende la fortuna attraverso una concessione petrolifera; Molly è una mamma manager che esibisce la famiglia, ma incapace d’affetto; la bella Selena attira l’interesse di molti uomini scapestrati e disordinati come la stessa quotidianità di lei; Leo è avvocato, ma fallisce di continuo nel far valere le proprie doti di intrallazzatore; infine Greta - anch’essa madre e sposa esemplare - cerca di sbarcare il lunario occupandosi del padre novantenne oramai paralitico. Cinque vite, cinque fratelli che, in occasione del compleanno dell'anziano padre – che convive con Greta – ribadiscono attraverso battibecchi, con le proprie intime memorie, la silente conflittualità d’una famiglia la cui storia è segnata da tradimenti, abusi sessuali, persino eutanasia – mai chiaramente rivelata – della mamma malata terminale. Alla conclusione di una lunga cena in cui il padre e cinque figli giungono ad un’ideale resa dei conti, l’epilogo porterà alla capitolazione estrema di uno dei membri della “famiglia”.
Will Eisner, che dall’epoca di “Contratto con Dio” [1978] dedicava la sua arte solo al graphic novel, esce nel 1998 con un romanzo strutturato come dramma teatrale trattenuto. Tipicamente fumettistico, il conflitto tra protagonisti avviene con argute offese verbali, attraverso sesso consumato all’istante e bilanci esistenziali fallimentari. Come spesso nel nostrano Andrea Pazienza, anche Will Eisner commuta l’avventura tradizionale poliziotto/criminale, innestandola nelle memorie della quotidianità del proprio vissuto. Il pessimismo di Eisner, enunciato con piglio filosofico nella postfazione dell’autore medesimo, è tipicamente letterario-snob, da orecchiante - ma l’impianto teatrale della formulazione in strisce disegnate, con numerose idee innovative nella stesura registica, è piacevolmente calligrafico. Infine la trama - dispersiva e scritta con palese fretta - non riesce a farsi amare: così il disegno – alcuni schizzi sono pubblicati alla fine del volume – è altrettanto semplificato, e rinuncia della spettacolarità di scorci urbani ed epifanie chiaroscurali ove Eisner eccelleva. La piacevolezza del fumetto è probabilmente superiore alla sua produzione effimera, ma va goduta in qualità di frammento minore della vasta produzione Eisneriana.
Pubblicato in formato graphic novel in Italia - quasi contemporaneamente all’edizione originale, “Affari di famiglia” viene ristampato nella “Will Eisner Library” della DC Comics nel 2009.

Selen n. 8 con gadget cartolina erotica

1998-01-19T13:50:00.001Z

Happy Birthday Martha Washington

1995-11-15T22:30:00.001Z

Happy Birthday Martha Washington ** (USA 1995, col, pag. 32) Soggetto: Frank Miller. Disegni: Dave Gibbons. Tre racconti brevi nel futuro apocalittico della soldatessa Martha Washington. Su “Danni collaterali” New York è sotto le bombe, e gli abitanti imparano a mettersi al sicuro nell’indifferenza dell’esercito. In “Stato dell’arte” Martha ingaggia un combattimento lacustre con un avversario parimenti tecnologicizzato. Su “Insubordinazione” la missione è recuperare un campione di sangue del supersoldato Capitan Kurtz, probabilmente alla sua ultima battaglia.
Raccolti in albo unico, tre brevissimi episodi delle vicende guerresche della protagonista di “Give Me Liberty”, e di altre graphic novel successive. Mentre è dedito ad una critica abbastanza onesta dei metodi guerrafondai, lo scrittore Frank Miller si diletta in citazioni profuse ovunque [in particolare Kurtz/Capitan America, ed il topos de “Il mio nemico”], ma decisamente il panico da bombardamento sembra testimonianza, di prima mano, delle paure di chi era in Europa durante l’ultima Guerra Mondiale. Il giudizio dell’autore sulle questioni belliche – come succede spesso nella letteratura americana – è commisto con la fascinazione per le tematiche predilette dagli uffici del marketing, e Miller possiede una bibliografia coerente coi venditori multimediali di facili emozioni. Belle comunque le illustrazioni di Dave Gibbons che non fa una piega.

Marvels

1994-01-19T21:36:00.001Z

Marvels *** (USA 1994, col, pag. 216) Soggetto: Mark Waid. Disegni: Alex Ross. New York, fine anni trenta. Il giovane fotografo Phil Sheldon insegue qualunque fatto di cronaca gli permetta di collaborare con quotidiani e rotocalchi. La Seconda Guerra Mondiale incombe, forse una strada dura ma sicura. Sheldon cerca di farsi inviare in Europa, ma qualcosa succede a NYC: la metropoli si popola di esseri dai poteri straordinari, che conducono folli battaglie, sventano minacce venute dallo spazio. Il fotoreporter ha trovato il soggetto della sua opera: le “Meraviglie”. In un arco di trentacinque anni pubblica libri ed articoli sui superuomini americani, per tornare, alla fine della sua carriera professionale, a puntare l’obiettivo verso sé stesso, la sua famiglia, la quotidianità che aveva scordato.

Pamphlet autocelebrativo della Marvel Comics, che non tralascia proprio nulla della vita editoriale che la rese celebre negli anni sessanta (l’arrivo di Galactus e la morte di Gwen Stacy in primis), senza trascurare i comic book della Golden Age – le primissime storie di Sub-Mariner e di Capitan America & Bucky, poco note da noi.

Il racconto è svolto con illustrazioni iper-realistiche, a sancire il proposito velatamente ricattatorio dei testi – “noi eravamo lì, abbiamo sofferto con le Meraviglie, avuto paura, gioito e pianto” -, ma scomodare addirittura Norman Rockwell, come certa critica italiana, per pur bellissimi acquarelli, sembra eccessivo: essi suggeriscono analogie piuttosto con le vecchie copertine de “La Domenica del Corriere”, delle quali Alex Ross, pur americano, ne sposa la filosofia dello “strano ma vero”.

“Marvels” è stato serializzato nel 1994 in un formato – e con intenti – che lo ponevano al naturale testimone del cosiddetto Rinascimento Americano (“Dark Knight Returns”, “Watchmen”), ma ironicamente di quel periodo ne è anche l’epitaffio: da allora in poi l’Autore lascia il posto alla macchina produttiva a base di colori digitali, ipertrofie ed architetture barocche, confezionati in volumi con ologrammi, copertine “variant”, e mille espedienti di marketing, che affosseranno per anni le vendite e la fiducia dei lettori del genere supereroistico.

Successo comunque planetario per questa graphic novel, che ha ricevuto decine di ristampe in tutto il mondo. In Italia sono state pubblicate tre diverse edizioni, due cartonate ed una economica: quest’ultima, per la biblioteca di Repubblica, mostra pericolosamente che l’autore dell’introduzione non ha mai letto l’opera. Nella medesima edizione le tavole sono bellamente tagliate ai bordi laterali.

Death: L'alto costo della vita

1994-01-17T09:49:00.001Z

vedi -> Death: The High Cost of Living

Death: The High Cost of Living

1994-01-16T10:42:00.001Z

Death: The High Cost of Living *** 1/2 (USA 1994, col, pag. 104) Soggetto: Neil Gaiman. Disegni: Chris Bachalo, Mark Buchingam. Nel mezzo d’una discarica Newyorkese fanno fortuita conoscenza Sexton, confuso sedicenne figlio di separati - che confidata al computer la sua determinazione a suicidarsi -, e la bella punk-rocker Didi, poco più che coetanea, disadattata anch’essa: recenti lutti e cascate di pensieri bizzarri. I due consolidano nel giro di ventiquattr’ore, quasi senza dormire, una strana amicizia [lui: “Senti, tu non mi piaci, hai capito?”], che vede come sfondo frenetiche discoteche, pericolosi bassifondi, fast-food appena aperti all’alba, ed un susseguirsi di eventi attraverso i quali i due - in realtà la stessa Didi ci avvisa [come si intuisce sin dal titolo] d’essere molto più di ciò che appare - saranno coinvolti in un tragico gioco ben più grande di loro.

Favola urbana con pochissimi momenti di azione, nel suo caleidoscopio d’ambientazioni predilige indugiare sugli aneddoti raccontati da terze persone, o su commosse caratterizzazioni dei personaggi di contorno.

La sceneggiatura dell’inglese Gaiman, debitrice più del viaggio americano su pellicola di Schlesinger, e di certe atmosfere del team O’Neil/Adams fine anni sessanta, più che dei registri tipici del genere supereroistico, nel cui mainstream pure si inserisce [Death/Didi è la sorella del signore dei sogni Sandman, con cui già giocò Jack “Re” Kirby negli anni ‘70], è, salvo qualche piccola sbavatura, assolutamente perfetta nel costruire una parabola del disagio esistenziale, nei significati che la morte ci obbliga ad attribuire ad una vita di passaggio.

Dalla sua il disegnatore Bachalo, che in altre prove ha mostrato troppa dedizione agli sperimentalismi riciclati da Sienkiewitz di “Stray Toaster”, qui s’abbandona ad un naturalismo adeguato alla vicenda, arricchito dalle caratterizzazioni di certa vignettistica stile New Yorker, ancorché perfezionata dal gusto fumettistico inglese (i tratteggi di Brian Bolland, le linee soffici di John Bolton).

La coppia d’autori, gratificata dalle rispettive performance, tornerà al lavoro su un seguito, “Death: The Time of Your Life”, nonostante Didi ci avesse avvertito che quella era una giornata particolare: avviene una volta in un secolo.

Se nel frattempo non si riesce a togliere questo volume dal comodino, s’è giustificati da molte ragioni, non ultima l’originale cover di Dave McKean con sovrimpressioni in oro (rispettate meritevolmente dall’editore italiano).

Ma la menzione speciale va al veterano Steve Oliff, i cui bellissimi colori sembrano condurci a passeggio in una Grande Mela di leggere brezze, suoni soffusi e profumi d’autunno.

Green Lantern/Green Arrow: Hard-Traveling Heroes

1992-07-27T06:26:00.000+01:00

Green Lantern/Green Arrow: Hard-Traveling Heroes ***½ (USA 1992, col, pag 192). Soggetto: Dennis O’Neil. Disegni: Neal Adams, Dick Giordano. I due supereroi statunitensi Green Lantern e Green Arrow si accordano per un viaggio alla scoperta dei mali che affliggono la propria nazione, gli USA, all’indomani dell’assassinio di Marthin Luther King e di Robert Kennedy. Gli avversari che trovano a dover affrontare non sono esseri superpotenti, ma cinici proprietari immobiliari, folli possidenti terrieri, ed altri potentati economici, che, pur di preservare i propri privilegi, agiscono con l’astuzia - al limite della legalità - depauperando la gente dei propri diritti basilari. Convocati infine al cospetto di un tribunale intergalattico – a causa di un salvataggio di una nave con scorie chimiche, che i due eroi hanno gestito in modo opinabile – Green Lantern e Green Arrow scoprono che anche tra gli extraterrestri il male arraffa il potere con mezzi controversi, e garantisce i propri privilegi con la violenza.
Paperback che raccoglie la miniserie “Green Lantern & Green Arrow”, già ristampata da celebri albi a fumetti che tra 1971 e 1974 introducono alcune tematiche di critica sociale nel mondo frenetico del comic-book. I due protagonisti hanno una lunga tradizione di affezione da parte del pubblico che risale agli anni ’40, e, coerentemente, per tre decenni restano di secondo piano, soprattutto economicamente. La bellezza di queste storie è dovuta al soggettista Dennis O’Neil, che esprime istintivamente le inquietudini dei movimenti di protesta dei coetanei sessantottini. Neal Adams fa da mediatore tra un disegno impressionista – che si espliciterà gradualmente – e il dovere di offrire comunque un prodotto mainstream d’azione e lotte spettacolari. La collezione di questi antichi fumetti ha molteplici punti di interesse: la prima ristampa degli anni ottanta si adegua all’attenzione per l’Autore con la A maiuscola di quel periodo, questa riproposta in paperback è risposta al mercato diretto – le fumetterie – che premiano i volumi di nuova uscita, a scapito dell’antiquariato. Il risultato ha un sapore curioso, tra l’ideale graphic novel di storie in realtà autoconclusive, e la storicizzazione – all’uscita è la ristampa “definitiva” – di un periodo in cui la creatività degli autori Marvel e DC era troppo frammentata per qualsiasi analisi storica ed estetica.
Il volume ripropone Green Lantern nn 76-82 [1970], e prosegue nel volume gemello “More Hard Traveling Heroes”. Gli stessi episodi - già inclusi nella miniserie “Green Lantern & Green Arrow” [1983] sono infine restaurati in un monumentale hardcover dal medesimo titolo nel 2000.

Maus II

1992-05-31T07:00:00.000+01:00

Maus II → Maus II: A Survivor's Tale: And Here My Troubles Began

Maus II: A Survivor's Tale: And Here My Troubles Began

1992-05-31T06:42:00.001+01:00

Maus II: A Survivor's Tale: And Here My Troubles Began *** (USA 1992, b/n, pag. 144) Soggetto: Art Spiegelman. Disegni: Art Spiegelman. L’ebreo polacco Vladek Spiegelman è deportato nel campo di concentramento di Auschwitz all’inizio del 1944. Le sua capacità di adattamento gli valgono una serie di mestieri al campo, tra cui insegnante di inglese, stagnino, calzolaio - così sopravvive all’olocausto.
Questo lungo fumetto intreccia la biografia del padre dell’autore con il tempo presente, a New York, dove Spiegelman figlio riflette su fortuna e pressioni derivate dalla pubblicazione del primo tomo di “Maus”, dolorosa epopea di famiglia durante guerra e deportazione. Più del precedente volume, questa seconda parte brilla nella tecnica a fumetti e nel disegno. Il tallone d’Achille - come per altri libri, film e fumetti sull’argomento -, è il veicolare un messaggio d’odio, pur condannandolo. Le piccole frasi di riflessione sulla persona umiliata e ridotta al nulla, sono rare. La forza del racconto e gli eventi sovrastano tutto, ed anche qui il lieto fine è l’arrivo degli Alleati.
Ma il grande merito di Art Spiegelman è essere provetto cartoonist, ed utilizzare l’espediente della prima persona – il gioco di incroci presente/passato, attraverso i quali tutto è ricordo personale -, mutuandolo dall’underground del ‘68 e dintorni. Il libro, per svelare l’intima filosofia che lo sottende, andrebbe così idealmente letto, come fa l’autore, in compagnia di – domandandogli, ascoltandolo, commentando con lui – Spiegelman padre in carne ed ossa.

Masters of Comic Book Art (VHS)

1989-05-16T18:52:00.001+01:00

(1989 Rhino Home Video - Fabulous Films, Polygram UK)

La pazzia del pipistrello

1989-05-05T06:48:00.004+01:00

La pazzia del pipistrello ***½ (ITA-USA 1989, b/n, pag. 20) Soggetto: Frank Robbins [Franklin Robbins]. Disegni: Frank Robbins [Franklin Robbins]. Bruce Wayne, segreta identità del supereroe-pipistrello Batman, è testimone di matrimonio per Kirk Langstrom, ex scienziato-vampiro. Dopo una breve luna di miele, Kirk riprende i propri studi sulle mutazioni umane, ma una crisi lo pone in seri problemi: trasformatosi nell’alter-ego Man-Bat, semina terrore a Gotham City, finché l’amico Bruce/Batman riesce a contenerne la furia, ed a trovare una soluzione all’orrorifica patologia.
Albo unico della collana amatoriale che ristampa in edizione de-luxe - solo in Italia - alcune classiche storie di Frank Robbins della DC Comics, tratto da Detective Comics n. 416 dell'ottobre 1971, è tra i più belli dell'autore, ed abbonda di riferimenti nobili [Joe Kubert, Joe Orlando, Milton Caniff], nella cristallina originalità di multipli riferimenti autorali. I disegni - nervosi, carichi di dramma - si prestano ad un soggetto, sempre di Robbins, di riflessione pessimistica sulla natura dell’uomo. Il finale fideistico [“Se Dio lo vorrà Francie … se Dio vorrà!”] richiama le scappatoie buoniste alla Stan Lee, ma la frenetica psichedelia della narrazione è già un’intuizione sulle venture disillusioni socio-politiche USA, formalizzate nel media-intrattenimento per eccellenza: il fumetto.
Si noti che la storia venne pubblicata quasi in contemporanea in Italia, in una miniserie [involontaria] della Williams International: collana che raccoglieva il testimone del titolo già Mondadori [“Batman”, 1971], e dove venne meritevolmente utilizzata la prima pagina del racconto - tutt’altro che commerciale - come copertina apocrifa per l'edizione italiana.

Le avventure orientali di Giuseppe Bergman 1988 Norma Editorial - segnalibro

1988-12-30T17:14:00.001Z

Red Dog

1988-07-26T06:16:00.000+01:00

Red Dog *** (USA 1988, col, pag 32). Soggetto: P. Graig Russel. Disegni P. Graig Russel. Nell’Africa di Mowgli, il bambino allevato dagli animali della giungla, un lupo solitario chiede soccorso: i suoi piccoli sono morti per mano di un selvaggio cane rosso, a cui è stata tranciata la coda. L’indignato Mowgli chiede consiglio al branco dei lupi dove fu allevato, all’amico boa Kaa, ed alla giungla stessa. In breve la battaglia è preparata con cura, e, attraverso la scrupolosa conoscenza del luogo della battaglia, il giovinetto riesce a concertare un’imboscata al sacrilego cane ed a tutti i suoi sanguinari compagni.
Adattato a fumetti, il settimo libro de “Il libro della giungla” di Rudyard Kipling, esce per un piccolo editore, che coltiva le ambizioni dell’ex disegnatore di supereroi P. Graig Russell, nell’attuare una commistione tra cultura “alta” e fumetto. Ma, secondo il collega Frank Miller, l’opera di Russell va amata nella sua intatta bellezza, affrancata dai riferimenti letterari. Riflessione sull’iconoclastia nei conflitti di sangue - la gratuita uccisione dei cuccioli -, l’indignazione di Mowgli e della giungla stessa è espressa con gusto neoclassico, che drammatizza la boria del “cucciolo d’uomo”, e messa in poesia dai panorami dell’America fantastica del Donald Duck di Barks e di Krazy Kat, dove gli animali sono credibili attori per proprietà anatomiche tutt’altro che scontate.
Settimo volume della serie d’autore di P. Graig Russell intitolata “Night Music”, è ristampata nel volume del 1997 “Jungle Book: Stories”, ed abbinata ad altri due adattamenti a fumetti da Rudyard Kipling.

DC Heroes Metal Figure Set - Watchmen (1987)

1987-04-28T21:25:00.001+01:00

La compagnia della Forca 1987 Alessandro Editore - segnalibro

1987-02-15T22:30:00.001Z

Alfredo Castelli & Gianni Bono - The All New Kodansha Comics Catalogue ( 1985 )

1985-12-15T22:30:00.001Z

Cloack and Dagger

1985-12-09T06:51:00.001Z

Cloack and Dagger *** (USA 1985, col, vol. 11). Soggetto: Bill Mantlo. Disegni: Rick Leonardi, Terry Austin, Terry Shoemaker, Mark Silvestri, Mike Mignola (Michael Joseph Mignola), Art Adams (Arthur Adams), Bret Blevins, June Brigman. Due giovani scappati di casa sono rapiti da un’organizzazione criminale che li usa come cavie in un esperimento sull’efficacia di una nuova droga. Unici sopravissuti, acquistano poteri straordinari che utilizzano per dare la caccia agli stessi criminali che li hanno mutati in esseri bizzarri.
Ottimo prodotto Marvel, per due supereroi suggestivi, Cloack [la Cappa] e Dagger [la Spada], il primo afroamericano, avvolto in un oscuro mantello, la seconda esile e bionda, è una giovinetta reminiscente della sensuale-senza-malizia Sue Storm dei Fantastici Quattro. La miniserie è composta da 11 albi, prosecuzione della omonima “Cloack and Dagger” in quattro parti del 1983: qui troviamo lo stesso team artistico – i suggestivi testi di Bill Mantlo, le matite dell’elegante Rick Leonardi, e la peculiare inchiostrazione di Terry Austin – che rinnova l’atmosfera horror delle prove precedenti, con qualche approfondimento psicologico in aggiunta. La sensualità dell’attrazione-repulsione tra la bella Dagger/Luce e l’inquieto Cloack/Oscurità, trova diverse conferme nei testi [“Il diavolo gioisce dei tuoi peccati” dice Cloack al fraintendimento della sua prossima vittima] e in generale nell’epoca, che – come in Frank Miller – insinua la liceità del uso del terrore nella lotta al male. Nella sua rischiosa gestione di argomenti scabrosi, tra cui la tratta di adolescenti, la serie è presto normalizzata da disegnatori tradizionalisti [l’allora acerbo Mike Mignola], ed infine dall’eccellente idolo dei teen-ager Arthur Adams.

Eureka 4 1984 Corno - banconota tremila lire

1984-05-15T22:30:00.001+01:00

Manifesto teatrale Indisk di Andrea Pazienza

1984-01-19T13:44:00.001Z

Eureka 11/12 1983 Editoriale Corno + fascia del Samurai

1983-10-15T22:00:00.001Z

L'UOMO RAGNO 2° SERIE 44 1983 GADGET ADESIVO

1983-06-21T09:22:00.000+01:00

Figurine Panini Donald Story 1983 pag 32

1983-06-15T22:30:00.001+01:00

Signal From Space

1983-05-19T07:33:00.001+01:00

Signal From Space *** (USA 1983, col, pag. 132) Soggetto: Will Eisner. Disegni: Will Eisner. Osservatorio astronomico di Mesa, New Mexico. In una notte fine anni ’70 viene registrata una sequenza breve di numeri primi: si tratta senz’altro di un segnale di vita intelligente, proveniente dal piccolo pianeta Barnard – scoperta di tale portata, che i primi addetti ad analizzare i dati decideranno di tenere tutto per sé.
Sennonché a breve i Russi s'interessano, tramite una propria talpa, ad entrare in possesso dei dati, rapendo persino quei tecnici americani. Da qui - tra omicidi particolarmente odiosi, love story e tradimenti, intrighi di potere, improbabili tecnologie, fanatismi pseudo-religiosi, enormi interessi economici -, alla corsa per il primo lancio spaziale verso Barnard entreranno in gioco mille attori: le onnipresenti spie russe, l’idealista ma controverso astrofisico Budd – prontamente arruolato nella CIA -, la scalcinata e presto ricchissima setta “Il popolo delle stelle”, la spietata multinazionale “Multinational” [che influenza “la vita economica di 15 paesi del mondo”], il presidente USA uscente, quello loscamente neo-eletto, Milgate, e persino la più classica mafia italo-americana, e lo staterello africano “secessionista dalla terra” del Sedani, dove avverrà il primo lancio verso Barnard - tutti in corsa per il primato sull’affaire extraterrestre.
Seconda graphic novel della produzione matura di Eisner, dopo il rivoluzionario “Contratto con Dio”, è un lungo racconto morale di sofisticato livello, il cui l’elemento fantascientifico è solo un pretesto per un concatenarsi abilissimo d’ambientazioni da “crime story”, cliché da film su Cosa Nostra, drammaturgia à la Arthur Miller, sincera dietrologia radical in puro stile anni ’70, percorsi dell’anima tra amori idealizzati e sesso degradato.
Molta carne al fuoco dunque per un racconto in cui non si salva nessuno [persino il bravo e coraggioso Budd mette alcove e soldi sul piano dei propri ideali], nel quale ritroviamo alcune belle atmosfere Wellesiane a cui The Spirit ci aveva abituato [il passaggio della cortina di ferro, ed un omicidio a sorpresa nei bassifondi di una fascinosa Berlino], ma anche qualche ovvietà [il presidente USA in carica viene colpito con un fucile di precisione dall’Oswald di turno – che poco dopo verrà eliminato dagli stessi mandanti], ed una certa didascalica, a cui Eisner nei decenni seguenti ci renderà avvezzi - e di cui abuserà. E se la lucidità dell’opera è quasi unica, e la lettura altrettanto obbligatoria, troppo è lasciato alla memoria a breve termine, anche per il lettore affezionato.
Nota storica: il romanzo grafico è pubblicato in 8 capitoli su “The Spirit Magazine” tra 1978 e 1980, col titolo “Life On Another Planet” (in Italia "Vita su un altro pianeta"). Colorato e raccolto in questo volume dal titolo “Signal From Space” nel 1983, è infine ristampato dalla DC nel 2003 nell’originale bianco e nero, come parte della “Will Eisner Library”.

Tanino Liberatore: HM Interview

1983-01-20T20:17:00.001Z

Gaetano (Tanino) Liberatore couldn't resemble his characters less. The first impression he gives is one of genuine warmth and openness. Violence seems as foreign to him as kindness to the characters in Ranxerox. But appearances are often deceiving.

During the first Part of this interview, Liberatore ran The Godfather on his video set, treating me to frame-by-frame freezes of the gorier scenes of his favorite film.

Liberatore was born in Quadri (population 900), Italy, thirty years ago. For the past year he has been living and working in Paris, where he has rapidly become one of the local star artists. Ranxerox, which is written by Stefano Tamburini, is being simultaneously published in French comics magazine L'Echo des Savanes and the Italian magazine Frigidaire. The hulking robot was introduced to American readers in the July l983 issue of Heavy Metal.

I interviewed Liberatore on two separate occasions. Once. immediately before his departure for New York, where he was Heavy Metal's guest at a summer comics convention. and again on his return to Paris... fresh with his impressions of the Big Apple.

Before New York....

HM : Where and when was Ranxerox born?

LIBERATORE: The first Ranxerox story was written and drawn, in black and white, by Stefano Tamburini in 1978. He created the main characters, Ranxerox and Lubna.

I'M: When did you first draw Ranxerox?

LIBERATORE: In November 1980 in the first issue of Frigidaire. It was also the first time Ranxerox appeared in color (Frigidaire no. 1).

HM : Have you ever wanted to write the scenario yourself?

LIBERATORE: Not particularly for Ranxerox. He's really Stefano's creation. I don't even like him all that much.

HM : But don't you feel he's also become your character now? Hasn't he changed and evolved since Stefano first drew him?

LIBERATORE: Yes. I've given Ranxerox more muscles and changed his nose a bit-I've tried to make it look more realistically sliced-off. Since then, he's kept on acquiring more muscles - he's been taking vitamins!

HM : Did you make Lubna younger?

LIBERATORE: No. She was always very young.

HM : So she's not part of your own fantasy world?

LIBERATORE: No. I have no fantasies.

HM: How do you work now that you're in Paris and Tamburini is in Italy?

LIBERATORE: We use the mail a lot! First he sends me a synopsis with a panel-by-panel breakdown, but which leaves me free to lay out each panel as I like. When he gets my penciled pages, he letters in the text, mails them back to me. and then I render them.

HM : Did you ever run into any problems with a well-known company that makes photocopying equipment?

LIBERATORE: When Stefano was doing it, the character was called Rank Xerox [Europe's Xerox Corporation]. Then we got a letter from the company lawyer saying we couldn't use their name, that the story was violent and obscene and therefore bad for their image. So we made it into one word, and never heard from them again.

HM : How did you first get into comics? Was it a childhood dream?

LIBERATORE: No. I've always drawn, but I didn't think of comics as something I could do professionally. My father always tried to stop me from drawing-he said there wasn't any money in it - but I carried on behind his back. I started when I was five years old. One day, when I was sick, I started drawing in the morning and kept going until I'd filled a 500-page notebook by the evening. I remember that incident very vividly. I looked for those drawings recently, but they seem to have disappeared.

HM: What did you draw then?

LIBERATORE: Even as a kid, I was fascinated by sex. I drew stars from movie magazines, but I took their clothes off and gave them very prominent breasts. I must have been between eight and ten then.

HM : Did you ever go to art school?

LIBERATORE: Yes. Finally, when I was thirteen, after a long battle with my father, he agreed to let me go to art school in Pescara, which is near Quadri. That was the first time I'd gone any-where outside my own village. and it was quite a shock. Pescara is a small town, but, to me, it seemed like a very big city. I've always been shy, but I was really shy then. But I finally managed to assert myself at school.

HM: In what way? Did you get into fights with the other kids and beat them up?

LIBERATORE: No. I was always on the sidelines. When the other kids saw I could draw fast and well, they all started asking me to do their homework for them. In the time it took them to do half a drawing, I could do four or five. So I did everyone's drawings for them and be-came very popular.

HM: Did you draw comics then?

LIBERATORE: No, that was my Michelangelo period. I just drew hands, feet, and muscles for a very long time. Michelangelo used to exaggerate his proportions - no real person has muscles like he drew. Today, that helps me to put veins like drain pipes into Ranxerox's arms without making them look unreal. What I learned about anatomy also helps me now to draw without using photographs.

When I finished art school, my father sent me to Rome to study architecture. For two years, I was a model student: I only did architectural drawings. But then, one day. my sister gave me a set of paints and brushes. and that was the end of my architectural career.

HM : How did you become a professional artist?

LIBERATORE: Completely by chance, like everything else in my life. I've never really had to go after anything I've achieved. In 1975. I started doing record jackets for RCA-mainly Italian rock groups, and a couple of Frank Zappa albums. The wife of a guy I knew worked for RCA. She happened to see my work and liked it, so she asked me to do a record jacket.

I also got into comics purely by chance. An old friend from Pescara was working for a semi-underground comics magazine. and he asked me to do a story. I liked comics and had drawers full of unfinished stories. But the language of comics didn't come naturally to me at first. I saw myself essentially as an illustrator. I still prefer illustration because it doesn't repeat itself-it ends on the page. Anyway, I ended up doing covers for them. and they published my first comics story. That was five years ago. I'm not very proud of the work I did then. The magazine was called Cannibale, after Picabia's satirical magazine. Frigidaire was horn out of Cannibale.

HM : Did you read comics as a kid?

LIBERATORE: I read only comics.

HM : What other artists besides Michelangelo influenced you?

LIBERATORE: Everyone. I mean it. All the Great Masters, and Moebius, Hugo Pratt, Gil Kane - when he drew Green Lantern - Corben, but not all of Corben. What I really like about Corben is the realism he puts into his work. For example, he varies the lighting so that when a character moves, the light shifts. Even when he draws a cartoon-like character with a big nose, he lights him so realistically that he doesn't look out of place in a realistic setting. I also like Will Eisner. but I discovered him rather late.

HM: What about your own technique? I've always been struck by the contrast between the harshness of the images you draw and the softness of your colors and forms.

LIBERATORE: I rely on chance, once again. I'm always experimenting with new techniques. In comics, you have to work fast. I don't like gouache or dyes because they take too long to dry. I prefer markers because they're fast, and modern, like comics. I use wide-tipped Pantone markers for the flat tones. For the modeling, I've tried various things: pencil. theater make-up... I now use a brand of marker that takes a few seconds to dry. I apply it over the Pantone wash and then smudge it with my finger to get the effect I want. I've got to work really fast!

HM : You've become something of a star in France. Do you think you're better known here in France than in Italy?

LIBERATORE: I don't think so. But success came to me more quickly in France. I became known in both countries at about the same time-thanks to Ranxerox, which was published al-most simultaneously in both countries. But Italian and French readers don't look at comics in the same way. In France comics artists are stars. In Italy. they aren't. Most Italian readers think comics are to be read and then thrown in the garbage.

HM : A disposable form?

LIBERATORE: That's right.

HM : Some of the violence in your work seems gratuitous. There's a scene in one of the early episodes where Ranxerox crushes the hand of a little flower girl.

LIBERATORE: No, no, it's not gratuitous at all! When you go to a restaurant in Rome. people keep coming up to you to sell flowers, play music at you, or just ask for money. It doesn't stop! So, when Ranxerox crushes the girl's hand, he's only doing what deep down every Italian would love to do. That incident was Stefano's idea. but I got a big kick out of drawing it!

HM : Do you get a lot of flak from editors and readers because of the violence?

LIBERATORE: Only from the editors. They always find the violence too much. The readers just want to know who Ranxerox is going to bump off next. Anyway, the violence in Ranxerox is so exaggerated. it's not really violence anymore. It's not real violence like the violence in Mad Max. In Italy, people find Ranxerox funny because it's so exaggerated - it's like a pie being thrown in someone's face. Or like a spaghetti western.

HM : Is this a typically Italian form of humor?

LIBERATORE: Perhaps. In Italy, even when there's a serious accident, there's always someone in the crowd who'll crack a joke.

HM : What about politics? Are there any political intentions in Ranxerox?

LIBERATORE: No, not in Ranxerox. There's no way it could be regarded as political. The editor of Frigidaire does have leftist leanings. but the magazine doesn't propound any political ideology. Though it's obviously not right-wing.

HM : You've said that Ranxerox is not your favorite character. Why is that?

LIBERATORE: I never feel I've obtained what I was after. It's overworked. I think it's because of the repetition involved in drawing the same characters over and over again. As I've said before, I really prefer illustration.

HM : Is repetition, then, a problem that is inherent to comics?

LIBERATORE: I don't know if it's the same with other artists, but for me that's the way it is. I'd like to do comics in black and white, to see if I would still react in the same way. I think working in black and white would be easier, less heavy, and faster too, so less repetitive.

HM: Ranxerox, the movie, is being prepared. Will you work on it?

LIBERATORE: I hope so, so I can make lots of money!

HM : What is your greatest ambition?

LIBERATORE: To become President of the United States so I can move the White House, brick by brick, to Quadri.

After New York....

HM : You've just been to the States for the first time, yet you've been drawing a futuristic New York in Ranxerox for several years. How did the real New York compare to the way you'd imagined it?

LIBERATORE: It was just as I'd imagined it, except more so . . . everything was more exaggerated than I had expected it to be. It was dirtier and hotter and more aggressive, but I loved it. I think New York's fantastic. The cabs are wonderfully filthy. You go in wearing a white suit, and when you get out, it's black. The heat is also unbelievable. It's worse than Rome, and I thought that was bad. It's a good thing they have air conditioning. During the first couple of days of the convention I only left the hotel to buy cigarettes.

HM : Do you have a lot of fans in the States? Did you meet them at the convention?

LIBERATORE: Yes, I met some guys at the convention who knew Ranxerox from before its publication in Heavy Metal. They'd picked up a copy of the French album, Ranxerox in New York. They took me to a fantastic Rasta bar. They were very "simpatico," very friendly, and I had a great time hanging out with them.

HM : What do you think of the censorship of some of the panels of Ranxerox for the American audience? Actually, have you seen the September issue of Heavy Metal?

LIBERATORE: No. [I hand him the issue, and he flicks through it till his eye falls on the panels on page nineteen, where a bedsheet has been strategically added to cover Ranxerox's very prominent erection. Liberatore lets out a loud guffaw.] They told me they were going to put a black band across it, but this is great. They said if they didn't censor these panels, the magazine would be banned in at least five states. This is really funny: [he points to a panel on the opposite page where Ranxerox is lying in bed, with his limp genitals in full view] they only censor the panels where he's got a hard on! In any case, it doesn't matter; it doesn't really make any difference to the story. But that's one of the weird things about Americans . . . . I can't figure them out. In someways they are very free, and in others they are very rigid.

HM : In what other ways did Americans puzzle you?

LIBERATORE: The way people think and reason in New York came as a real shock to me - at least at first. For Americans, both men and women, the most important thing in life is to succeed in their work. Everything else takes second place. For me that's [he shrugs, looks up at the ceiling]. ... strange. It doesn't even seem to matter what the job is. everyone thinks their job is the most important thing. And to succeed, people seem ready to give up anything that comes in the way.

HM: What effect does this grinding work ethic have on male-female relationships?

LIBERATORE: The result is that people aren't as passionate - they're not like the Italians [laughs loudly]. Seriously, though, what New York made me realize is that compared to Americans I'm much less free. Americans don't seem to give a damn about most things. And that's good. What bugs me is that I'm not like that. Being in New York made me realize that I'm very, very Italian. And American women made me realize that I'm a real provincial hick.

HM: Let's get back to your work. Did any new projects and contacts come out of your trip to the States?

LIBERATORE: Yes, lots of great contacts, lots of friendly people. While I was there I did a Conan cover for Marvel (The Savage Sword Of Conan no. 87), and I'm now working on a story by Bruce Jones (Confine). When I came back from New York, I went to Italy and I've started working on a new female character with Stefano Tamburini. It all began because I did some sketches for a projected cover for Frigidaire, which I ended up not doing. Stefano saw the sketches and liked them and he said, "Hey, that's good for a new character." So I said, "OK, I'll do it, but you have to write scenarios for me with things that I like to draw." So we decided that I would draw a portfolio of this new character first, and then Stefano would write the story around it. It takes place in a desert environment. The only link between the towns in the desert is by big heavy trucks. There are pirates in the desert. The main character is a very strong, muscular woman who does a lot of body building. She's an expert in all the martial arts and a great shot and she knows all about firearms. But all this still has to be developed.

HM : Have you thought about any of the other characters?

LIBERATORE: Not all of them, but I know who all the main characters are. The portfolio will have eight plates, and only two or three will be of the heroine. The others will show the other characters - the pirates, the eunuch who is her bodyguard - and the desert environment, the trucks and so on.

HM : Is all this very futuristic?

LIBERATORE: Yes. It's like Ranxerox, only instead of being in the city it's in the desert.

HM: Is the heroine a sort of female Ranxerox?

LIBERATORE: No, no, she's a sort of legionnaire.

HM : So basically she fights in the desert all the time?

LIBERATORE: Yes, she fights, but she also makes love and does lots of other things.

HM : Will this new story be published simultaneously with Ranxerox?

LIBERATORE: No. When we finish the third Ranxerox album, we'll stop doing him for a while to do the new story, and if it's successful, we'll do an album or two. But we'll come back to Ranxerox later. I just don't have time to do both - unless I can find an artist to help me. Someone who could do the inking for me.

Then I could do both.

HM : Will the new story be in color?

LIBERATORE: No, it will be in black and white with grays, like the bordello postcards.

HM : Do you have any other projects in the works?

LIBERATORE: I'm getting married at Christmas!

HM : From what you said earlier, we can safely assume the future bride is Italian..

LIBERATORE: Yes, she is. But to get back to work projects, I'm still hoping that someday I'll win a lottery and be able to retire from comics. If that happened, I'd only do illustrations. I'd like to carry on doing record album jackets. And I'd also like to do illustrated books; I'd love to illustrate the novels of Garcia Marquez. The idea of doing book illustrations is something new.

HM : How did this idea occur to you? Did someone ask you to illustrate a book?

LIBERATORE: Yes. Jodorowsky asked me to illustrate one of his novels. He told me I could do ten or 200 illustrations, whatever I wanted. But I still haven't done anything about that. I really haven't behaved very well, but I can't get into it. His style is too surrealistic for me. I'm more comfortable with a more realistic style, which is why I like Garcia Marquez. He combines fantasy with realism.

HM : Have you done any illustrations recently?

LIBERATORE: Yes, though not for books. I did a poster in Italy for a conference on industrial waste that will be held in Perugia. I drew a girl and a part-human, part-simian monster. The girl has a beautiful face and the body of a mutant. She has no skin on her arms, so you can see all the flesh and muscles. It's not a very happy message. It's supposed to make people think "Madonna, this is what could happen!" It's a pretty bleak, threatening image of the future.

Well, it's threatening for others, not for me, I'd like a world full of mutants . . . like Corben's [laughs]. But only if I weren't one myself!

HM : On the subject of accidents of birth. you once told me you had just missed being an American. Can you tell us that story?

LIBERATORE: Well, all my father's family emigrated to America. My grandfather went over many years ago, and then my grandmother and the kids followed. They all stayed in Philadelphia, except for my father, who only stayed for four months. He was already married then and had two daughters - my two older sisters. He was also the only one who had a job in Italy, so he got back on the boat and went back to Quadri. When I was in the States, I went to Philadelphia and met the families of my father's two brothers. We stayed up all night drinking lots of wine and talking about America and Italy. I had a great time with them. My aunt, who was born in the States and has never been to Italy, speaks perfect Italian, even the dialect, and she talks about Italy as if she knew it. I have seven cousins. One of them is only fifteen but he's already two meters tall. I feel really small next to him.

HM : So if your father hadn't taken the boat back to Italy, you would have been born in Philadelphia, and you could have realized your old dream of being President of the United States, and the world would have lost a great comics artist.

LIBERATORE: Sort of makes you think, doesn't it?

(from "Gaetano Liberatore, Around the World in Eighty Minutes" by Rosalie Gomes - Heavy Metal, December 1983)

L'Uomo Ragno Gigante n. 22 1978 Editoriale Corno gadget adesivi

1978-06-15T11:59:00.000Z

Fantastici Quattro Gigante n. 1 1978 Editoriale Corno + adesivi

1978-03-12T13:44:00.001Z

Giampaolo Chies

1978-02-16T10:28:00.001Z

CHIES, GIAMPAOLO (1947- ) Disegnatore ed illustratore italiano nato a Bologna il 26 Gennaio 1947. Dopo aver frequentato il liceo artistico, seguì il consiglio del suo professore, Carlo Santachiara, e decise di entrare nel mondo del fumetto. Nel 1968 realizzò il suo primo lavoro in questo senso dando vita ad un personaggio creato da Max Bunker, Virus Psik che venne pubblicato nel Dicembre dello stesso anno sul n. 3 di Tommy, edito dalla Editoriale Corno. Virus Psik è una stravagante psichiatra che funge da filo conduttore in una serie di vicende imperniate su una sottilissima satira di costume. Il personaggio apparve su altri due numeri della stessa rivista per ricomparire poi sulle pagine di Eureka nel n. 24 dell'Ottobre 1969. Chies cominciò da allora una stretta collaborazione con Max Bunker realizzando, su testi di quest'ultimo, una serie di racconti a sfondo parapsicologico ed affrontando diversi generi ambientali, dal western alla fantascienza, sortendo sempre ottimi risultati nella continua ricerca di una nuova espressione grafica. Il suo disegno, che pare quasi ispirarsi ad una concezione deformata della fotografia, si sofferma con particolare intensità laddove la tecnologia diviene quasi una parte viva e mobile della storia. Nel 1971 Chies si trasferì a Milano e, pur continuando la sua collaborazione con Eureka, entrò nel campo dell'animazione alla Gamma Film che dovette presto abbandonare in seguito ad un periodo di crisi dell'azienda stessa e del settore in genere degli animati. Ritornò a Bologna dove trovò un lavoro presso una agenzia pubblicitaria. L'attività non lo soddisfa, si licenzia e ritorna al fumetto continuando a realizzare storie di Virus Psik e racconti di parapsicologia sempre su testi di Max Bunker, ed eseguendo delle tavole autoconclusive, intitolate Monodia, apparse regolarmente per due anni su Eureka. Attualmente sta eseguendo una riduzione del tutto particolare, curata da Max Bunker, del celebre Pinocchio collodiano che vedrà la stampa in volume alla fine del 1979. Giampaolo Chies è ritenuto dalla critica uno dei giovani più promettenti nel panorama fumettistico italiano in quanto è riuscito a rompere con la tradizione e ad intraprendere una strada del tutto personale, in ciò aiutato dal suo spirito perfezionista che gli diviene limitativo per quanto riguarda quantitativamente la sua produzione.

L.S.

(da “Enciclopedia Mondiale del Fumetto” di Maurice Horn e Luciano Secchi, Editoriale Corno, agosto 1978)

Shang-chi n. 39 Editoriale Corno - gadget manifesto

1977-09-18T05:57:00.001Z

Editoriale Corno - Catalogo generale 1977

1977-07-20T07:59:00.001Z

La Compagnia della Forca 1977 gadget manifesto fuori commercio

1977-06-20T11:23:00.001Z

Topolino Libretto 1702 - gadget Sixty Years with You

1975-12-15T22:30:00.001Z

Club Alan Ford - Gadget Penna anni '70

1975-08-15T22:30:00.001Z

Il Corriere della Paura 1 corno + gadget amuleto scacciaguai

1974-06-20T06:27:00.000Z

Topolino libretto 1973 - gadget Operazione Quack con raccoglitore rosso

1973-11-19T13:05:00.001Z

Kriminal n. 350 Corno - adesivi Kriminal Story

1973-04-15T22:30:00.001Z

The Steranko History of Comics volume 2 (1972)

1972-06-18T23:46:00.001Z

Batman n. 1 ns Williams - gadget manifesto

1972-02-15T22:30:00.001Z

Il Mitico Thor n. 7 Corno - gadget adesivi

1971-07-22T07:41:00.000Z

Kriminal n. 252 Corno - adesivi

1970-09-15T22:30:00.001Z

Satanik n. 161 Corno - adesivi

1970-07-15T22:30:00.001Z

The Steranko History of Comics volume 1 (1970)

1970-05-28T22:11:00.001Z

Topolino Libretto 753 - gadget moneta Minnie

1970-02-01T22:30:00.001Z

Prefazione di Dino Buzzati a "Vita e dollari di Paperon de' Paperoni"

1970-01-29T16:53:00.001Z

Prefazione

di Dino Buzzati

Due grandi personaggi

Colleghi e amici, quando per caso vengono a sapere che io leggo volentieri le storie di Paperino, ridono di me, quasi fossi rimbambito. Ridano pure. Personalmente sono convinto che si tratta di una delle più grandi invenzioni narrative dei tempi moderni. Lasciamo pur stare la vertiginosa fantasia e ingegnosità delle vicende, ammirevoli in un mondo dove la regola quasi sovrana dei romanzi è la noia. Sono i due protagonisti, Paperino e Paperon de’ Paperoni, a fare la gloria maggiore di Walt Disney. La loro statura, umanamente parlando, non mi sembra inferiore a quella dei famosi personaggi di Molière, o di Goldoni, o di Balzac, o di Dickens.

L’uno e l'altro li conosco ormai benissimo, data la lunga frequentazione. E non mi hanno ancora stancato. Perché? Perché non si tratta di caricature, di macchiette, che reagiscono meccanicamente alle varie situazioni secondo uno schema prevedibile. Come appunto i più geniali personaggi della letteratura romanzesca e del teatro, essi sono, con tutti i loro indistruttibili difetti, creature ogni giorno e in ogni avventura un po’ diverse da se stesse; hanno insomma la variabilità, l’imprevedibilità, la mutevolezza tipiche degli esseri umani. E per questo riescono affascinanti. E universali.

Consideriamo per primo Paperon de' Paperoni. È uno spilorcio al mille per cento, in fatto di dollari non ammette debolezze o eccezioni, mai. Se è di buon umore vuoi dire che è in arrivo un buon carico di sestilioni, se ha la luna vuol dire che gli è stato sottratto qualche cent. Se è generoso, - raramente ma capita, - è generoso perché la poca grana che sgancia è servita, o servirà, a guadagnare cento, mille volte tanto. Intendiamoci, io posso anche aver dimenticato, però in tanti anni che lo pratico, mai che abbia avuto un gesto di bontà veramente disinteressato. Eppure non riesce antipatico.

Come mai? L'usuraio Scrooge, da cui nella versione originale ha preso il nome, il protagonista del Racconto di Natale di Dickens, era poco odioso, prima della conversione? Se lo avessero derubato fin dell'ultimo penny, a chi sarebbe dispiaciuto? Se fosse andato in malora, chi non lo avrebbe trovato giusto? Con Paperone è tutto un altro discorso. Quando la famigerata banda Bassotti trama una diabolica macchinazione per vuotare la leggendaria cassaforte paperorniana, il lettore, anziché sperarne il successo, comincia a stare in palpiti. E alla fine, allorché il complotto invariabilmente fallisce, tira un sospiro di sollievo. Come si spiega questa contraddittoria reazione del lettore, anche se è la persona più onesta di questo mondo?

Le ragioni, secondo me, sono due. Primo, Paperon de’ Paperoni, pur essendo il re degli arpagoni, non è arido come Scrooge. Crudele magari, ma non arido. È capace di soffrire, è capace di piangere, e quando piange (per la perdita di un soldo) fa pena come un bambino maltrattato. Inoltre ha l’ambivalenza, l’ambiguità anche, la volubilità di tutti noi uomini. Felice e infelice nello stesso tempo, furbissimo e ingenuo, impassibile e collerico, coraggioso e vigliacco. È un personaggio vivo, insomma, persuasivo, simile a tanti di noi.

Secondo: ciò che soprattutto lo rende simpatico è la sua eroica fermezza e inflessibilità d'avaro. Nel nostro mondo industriale, dove tutti i ricchi sembrano vergognarsi dei loro capitali, e si allineano con la cultura di sinistra, e invitano alle loro feste coloro che proclamano apertamente la loro intenzione di spogliarli, è confortante incontrare un plutocrate che, senza pudori, ostenta lo splendore dei suoi miliardi, e se li tiene bene stretti, determinato a non farne parte con nessuno, e disprezza i poveracci che non sono stati capaci di fare quello che ha fatto lui. Una carogna, un maledetto, un mostro, non c'è dubbio. Però un capitalista di carattere, finalmente. Che sarà odiato si dai nullatenenti, in fondo però rispettato molto più dei colleghi pusillanimi e camaleonti.

Ma ancora più simile a tanti di noi è Paperino, carattere veramente universale e, per certi versi, specialmente mediterraneo. Dio mio, quanti Paperini vivono, lavorano o fanno i lavativi intorno a noi. Anche lui è un miracolo, creativamente parlando. Possiede tutti i peggiori difetti di questo mondo, ancora più di Paperone, eppure anche lui riesce inesorabilmente simpatico, e i suoi successi (rarissimi) sono anche nostri successi, le sue disgrazie affliggono anche noi. Vediamo un po’. Paperino è prima di tutto un lazzarone, per cui il lavoro è la più triste condanna. Paperino è di una presunzione addirittura grottesca, a sentir lui nessuno lo supera in bravura, intelligenza, coraggio, vigore fisico. Paperino, come del resto il suo ricchissimo zio, è sempre pronto all'inganno e al raggiro, pur di sistemarsi in qualche modo. Paperino, cosi baldanzoso in ogni vigilia, al momento buono è la pavidità, la fifa personificata. I suoi vizi insomma sono tra i più miserabili e meschini. Come si spiega che ottiene sempre la nostra indulgenza? Il motivo, secondo me, è molto semplice. Anche se ciascuno di noi è più laborioso di Paperino, più onesto, leale, coraggioso, ciononostante vede istintivamente in lui un fratello minore, un fratello, se si vuole, più disgraziato. Paperino è il campione delle debolezze e delle viltà che inevitabilmente germogliano qua e là nel nostro animo, anche se poi siamo capaci di annientarle. Paperino è il poltrone astuto, quello che cerca di non pagare mai il dazio, quello che sogna impossibili glorie e, non raggiungendole, si sente defraudato. Peperino è la falsa vittima di tutte le ingiustizie il conculcato, l'incompreso. Artisticamente, ottiene tuttavia questo meraviglioso risultato: che noi, specchiandoci in lui, nel segreto del nostro animo ci riconosciamo, ma nello stesso tempo ci sentiamo migliori.

(da “Vita e dollari di Paperon de’ Paperoni” di Walt Disney, Oscar Mondatori 170, agosto 1968)

Satanik n. 162 Corno - adesivi

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